ArtArte

Imagem Semanal Os Ciganos

2012-03-11T08:05:00.000-03:00

"Cigano_ Que ou aquele que trapaceia: velhaco, burlador".

Dicionário Houaiss

A definição acima, inspiradora da Imagem Semanal, levou o Ministério Público a pedir o recolhimento do dicionário Houaiss. Por que?

Michelangelo Merisi Caravaggio (1571-1610) Nasceu em Milão. Foi o grande nome do Barroco. Influenciou enorme quantidade de artista com sua composição com claro e escuro. Em sua pintura realista, utiliza prostitutas e ladrões como modelos para Virgem e outras figuras religiosas. Ao receber o pagamento de trabalho realizado, desaparecia para percorrer festas. Envolveu-se em muitas brigas e, numa delas matou um desafeto, o que levou a fugir para Roma, Nápoles, Malta e Sicília, cidades em que foi ativo. São duas versões, essa de 1594 e outra no ano seguinte de propriedade do Museu do Louvre. O belo rapaz olha com alegria para a encantadora cigana, enquanto ela lê sua mão e rouba sua aliança. The Fortune Teller, 1594. Musei Capitolini, Roma.

Lionello ou Leonello Spada (1576-1622) Nasceu em Bologna. Foi um dos seguidores de Caravaggio. Para alguns foi seu assistente. Começou seus estudos com Baglioni e foi aprendiz no atelier dos Carracci. Sua pintura barroca retrata a vida do dia a dia. Foi mais atuante em Roma. The Gypsy Fortune Teller, 1614-1615. Galleria Estense, Modema. 211x158 cm.

Jacob Duck (1600-1667) Pintor e gravador holandês. Nasceu em Ultrech. Trabalhou rm Harlem, The Hague e em Ultrech, onde morreu. Pintou soldados, retratos e cenas do dia a dia. A Couple in an interior with a gypsi fortune-teller, 1632-1633. Metropolitan Museum of Art, Nova York.

Franz Hals (1580-1666) Considerado um dos grandes nomes da época de ouro da pintura holandesa. Nascido em Antuérpia, mudou-se para Haarlen, onde viveu até sua morte.Foi extrordinária a sua contribuição para a arte do retrato, especialmente aquele de grupos. Foi aluno de Mander e muito cedo foi admitido na Cooperativa de Pintores de São Lucas, Haarlen. Gypsy girl, 1628-1630, acervo do Museu do Louvre, Paris é uma demonstração de sua perícia.

Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875) Pintor realista francês nascido em Paris. Passou parte de sua vida em Rouen, onde começou a pintar no estilo clássico. Viajou a Itália e, ao voltar radicou-se em Paris dedicando-se às paisagens, obtendo grande sucesso por seu rigor e seu domínio sobre a luz e sombra. Gypsy girl with mandolin, 1874. National Gallery, Washington.

Vincent van Gogh (1853-1889) The caravan, gypsy camp near Arles, 1888. Musée D'Orsay, Paris. (1853-1889) Pintor pós impressionista holandês. Iniciou sua vida profissional trabalhando para um comerciante de arte, sua boa atuação levou-o a Paris e Londres. Abandonou a atividade e dedicou-se ao estudo de Teologia, tornou-se pastor na Bélgica. Em 1880, dedicou-se à pintura retratando a vida dos trabalhadores rurais de seu país. Em 1886, mudou-se para Paris, morando com seu irmão Theo, onde conviveu com Bernard, Toulouse Lautrec, Gauguin e Degas. Dois anos após, instalou-se em Arles, onde pintou os girassóis. Aí as manifestações de doença psiquiátrica tornaram-se mais constantes com períodos de depressão e agressividade levando-o a várias internações. Nesse período cortou a própria orelha. Em 1889, mudou-se para Paris, onde cometeu o suicídio. Foi seu irmão Theo um incrível apoio, era ele o patrocinador das obras produzidas e não vendidas. Essa relação de amizade entre os dois foi registrada em Cartas a Theo. O Museu van Gogh com suas obras situa-se em Amsterdam.

Pierre -Augusre Renoir (1796-1875) Nasceu em Limoges. Estudou até aos 13 anos, quando começou a trabalhar como pintor de porcelana. Mudou-se para Paris e entrou para a École de Beaux Arts, mas não terminou o curso. Estudou no atelier de Charles Gleyer. Ligou-se ao Impressionismo sem nunca abandonar as formas. Gypsy girl, 1897. Coleção paricular, Canadá. Foi o penúltimo trabalho com modelo realizado pelo artista.

Amedeo Modigliani (1884-1920) Pintor e escultor italiano nascido em Livorno. Seu interesse pela arte apareceu muito cedo, estimulado pela mãe tornou-se aluno do mestre Gugliano Micheli em sua cidade natal e, estudou em Florença e Veneza. Mais tarde, mudou-se para Paris, onde realizou sua obra. Foi influenciado por Cézanne. Seu estilo próprio com suas figuras alongadas, o domínio da cor torna difícil enquadrá-lo em qualquer movimento. Na fase madura, dedicou-se aos retratos e nús femininos. Casou-se com a pintora Jeanne Hebuterne, que grávida suicidou-se no dia do sepultamento do marido. Na infância teve inúmeras doenças graves e sua morte ocorreu pela associação da pobreza extrema, alcoolismo, drogas e tuberculose Gypsy girl with baby, 1919. National Gallery of Art, Washington.

Henry Rousseau (1844-1910) Pintor pós impressionista francês nascido em Laval. Era conhecido como Douanier por ser funcionário da Alfândega. Só começou a pintar seriamamente aos 49 anos. Antes, foi condenado à prisão por ter roubado 20 F. Do seu primeiro casamento, teve 5 filhos e, só um sobreviveu. Foi muito criticado pela sua pintura considerada primitiva. Entrou pela arte fantástica e teve reconhecimento e sucesso financeiro. The sleeping gypsy, 1897. MoMA, Nova York.

Maria Lassnig 60 anos de Arte

2012-03-10T08:37:00.000-03:00

Maria Lassnig (1919) Nasceu em Carinthia, Áustria. Estudou na Academie of Fine Arts, Viena. Morou em Paris, conviveu com o Surrealismo. Mudou-se para Nova York, onde fez curso de desenho animado na School of Visual Art. Ao retornar para Viena, tornou-se professora Academy of Fine Arts. Fundou o primeiro estúdio de animação na Áustria. Seu trabalho foi influenciado pelo Expressionismo Abstrato. Participou da Bienal de Veneza e da Documenta de Kassel. Teve retrospectiva no Centre George Pompidou e Serpentine Gallery, Londres. Com seus trabalhos procura discutir a cincientização do corpo e descrever os aspectos invisíveis da sensação interior. Recebeu o Grand Austrian State Prize e Austrian Cross of Honneur for Sciense and Art. Vive e trabalha em Viena e em Carinthia. É representada pela Fredich Petzel Gallery.

The Biologist. Óleo sobre tela 100x125 cm.

Death and girl

Girl with wine.

Sem título, 1998. Aquarela e lápis.

Your or me, 2005.

Self-portrait, 1970

Iron virgin and fleshy virgin.

Horizontally on two crutches, 2005.

Diskretion, 2009

Energetic assistent. Ludwig Museum.

Mit einen Tiger sclafen.

Maria Lassnig, 2007 no dia da inauguração de sua retrospectiva na Serpentine Gallery, Londres

Maria Lasnig Talks about her exibition at Serpentine Gallery _ Art Forum, summer 2008.

Exposição individual David Rosado Urso de má pêlo, Lisboa.

2012-03-09T07:19:00.000-03:00

David Rosado

“Urso de má pêlo”: Exploração à superfície e por debaixo da pintura

Por Israel Guarda

A série urso de má pêlo de David Rosado explora a fina fronteira entre o nível da superfície e o outro nível subterrâneo por detrás da pintura. Tudo começou por um acaso feliz na recuperação de uma tela rasgada, aonde o artista decidiu pintar um grande urso. O motivo era pessoal como se percebe pelo título “e todos os dias conheces um urso”, mas transformou a pintura em algo mais complexo, pois incorporava a pintura e o suporte. Esta condensação estrutura – suporte, por sua vez, subalternizava a experiência transitória inicial, por uma busca de algo mais substancial, que se viria a materializar por um interesse em personagens à escala, em cenários intimistas, a negro, onde a presença do corpo inteiro ganha constância.

Esta procura de um novo enfoque ou de uma nova estrutura de trabalho, intui no percurso do artista uma maior maturidade no à vontade com que usa e continua a trabalhar as suas referências privilegiadas de filmes, animação, figuras estilizadas, animais, enquanto lugares comuns da sua linguagem artística, mas apaziguando o ruído visual e fragmentação que caracterizava muitos dos seus trabalhos anteriores. Nada melhor para compreender a hesitação que estes momentos de mudança normalmente transportam que a obra Vedo Nudo, na qual a continuidade e mudança de um processo de trabalho melhor se podem medir. A procura de uma síntese, neste difícil e polifacetado universo imagético, possibilitou por seu turno uma maior inteireza e melhor capacidade comunicativa, alcançado de forma mais brutal em Seeingt things, other things, onde a apropriação de fotogramas do filme Desperate, realizado por Anthony Man em 1947, capta o contexto histórico do filme negro, o grão e a mesma carga tensional; ou num registo mais humorístico na combinação de figuras improváveis de cinema e animação Nothing to declare, não dando mão do que tem caracterizado o essencial do seu trabalho, o carácter e a capacidade comunicativa da imagem.

A ligação entre os vários trabalhos que se apresentam vale por aquilo em que se pode converter e isso é válido para qualquer género artístico, isto é que o conjunto (todo) se possa converter também numa instalação com vida própria. Não retirando o valor intrínseco a cada obra, o modo como cada uma destas se relaciona constitui a evidência mais forte desta série de David Rosado, pois é nesses interstícios que melhor se entendem os limites de género, a natureza volátil das imagens e da sua representação, temas desde sempre presentes no seu trabalho, mas com um olhar revigorado, mais frontal e simultaneamente mais subtil.

O acto de pintar, enquanto acção consciente, não elimina ainda situações inesperadas como em tudo no ser humano, e esse elemento de contingência, porque não inteiramente premeditado, ganha aqui uma presença maior. Tal facto ajuda a conferir à ordem global dos trabalhos uma potência, que embora implicitamente presente, é reforçada pela complementaridade que os trabalhos depois de expostos é suposto exercerem entre si, facto que não é premeditado à partida, mas que se vai desenhado no atelier em cada obra e pela influência que esta exerce na outra e assim sucessivamente. Talvez resida neste factor a maior força do trabalho de David Rosado, o modo como produz e dá a ver a sua pintura, indiferente a tendências de estilo ou sujeições de meio, tem um mundo próprio, está em contacto com a natureza das coisas.

No próprio blog existe entrevista do artista David Rosado.

Arte e Esporte: Garrincha, Vermeer e Miguel Ângelo Colaboração José Maria Dias da Cruz

2012-03-08T08:20:00.000-03:00

Artista e professor José Maria Dias da Cruz.

Arte e Esporte: Garrincha, Veemer e Miguel Ângelo

Jan Vermeer

Há uma relação bem maior entre arte e esporte do que se possa imaginar, malgrado a crise na qual passamos, em que a economia procura separar as duas atividades de nosso cotidiano, colocndo-as em esferas separadas para, assim, maximizar os lucros imediatos. Mas isto já é outro assunto que deve ser pensado com bastante cuidado. Em outra ocasião retomo-o, pois faz parte de minhas preocupações

Quero agora me referir a um gênio, Garrincha, que apesar de todos os interesses financeiros que envolvem as duas atividades atualmente, às quais ele nunca aderiu, permanece assim mesmo no imaginário do povo. Explico-me. Atualmente as atividades tanto artísticas como esportivas foram, infelizmente, subjugadas aos interesses econômicos. Isto não significa que os verdadeiros artistas não estejam atentos a essa situação. Arte e esporte são atividades tão humanas quanto nobres, entre poucas outras. Resumindo: Garrincha era outra coisa e ao não aderir mostra-nos uma tomada de posição ética.

Vamos aos fatos para não nos desviarmos do que pretendemos expor.

Primeiro, há um anedotário bem corrente tentado mostrar que Garrincha era um idiota que apenas jogava bola com certa maestria. Não, Garrincha era inteligentíssimo, sensível e perspicaz.

São pouquíssimos os registros sobre Garrincha, mas há uma entrevista, concedida quando ele abandonou o futebol, na qual diz que fez o possível para dar alegria ao povo, mas, como já não tinha condições físicas, percebeu que era a hora de parar e retornar à vida simples que sempre almejou. Ou seja, recusou-se a ser o que hoje é lugar comum: uma celebridade. Não aderiu e buscou a paz e a liberdade.

Segundo. Garrincha tinha outra noção de espaço e tempo, e aí se aproxima de questões que interessam à arte, ou seja, outra visão de mundo. Vamos tentar entender. Hoje um jogador recebe a bola e imediatamente chegam outros jogadores adversários reduzindo-lhe o espaço. Se o jogador não for muito rápido, se não executar imediatamente a jogada, perde a bola. Garrincha recebia a bola e esperava que o espaço ficasse bem reduzido com a chegada rápida dos adversários. Este espaço se reduzia a dois metros quadrados. Assim reduzido, dava-lhe tempo para driblar, olhar a colocação de seus companheiros, enfim, executar a melhor e mais eficiente jogada em um tempo bem maior. Conclusão: dois metros quadrados para ele eram tão grandes como uma área de vinte. Poucos segundos eram ampliados para alguns minutos. Ele tinha outro conceito de espaço e tempo. E isso é uma questão que interessa à arte.

Em um de meus livros procuro desenvolver essa questão.

Continuando. Há no Louvre um quadro do Veermer de poucos centímetros de área pintada - A Bordadeira - mas com um espaço plástico bem maior. E os afrescos de Miguel Ângelo que estão na capela Sistina têm um espaço plástico bem menor do que as réguas nos dão. Quero dizer que, como pintor, Miguel Ângelo não explorou o conceito que ele mesmo formulou para a escultura, ou seja, o do “no finito”. Se o fizesse, certamente o espaço plástico engendrado pelos afrescos seria outro. Daí um poeta americano, Michael Palmer, em um verso perguntar: "Como medimos?"

Mas sou braqueano, e esse pintor diz: "Não procure convencer, contente-se em fazer refletir." Por extensão: não chegar a uma conclusão, mas ir adiante com outras elucubrações.

Mudando de assunto, mas não tanto: há um humorista e cartunista francês que diz que o maior anão do mundo tem a mesma altura que o menor gigante.

José Maria Dias da Cruz

Florianópolis – fevereiro de 2012

Glen Ligon Arte conceitual

2012-03-08T08:12:00.000-03:00

Glenn Ligon (1960-) Nasceu no Bronx. Graduou-se ma Wesleyan University. Participou do projeto de estudos independentes do Whitney Museum of American Art. Vive e trabalha em Nova York. Artista conceitual cuja obra discute sexo, raça, identidade, desejo e sua sexualidade. Utiliza sua própria experiência pessoal de afro descendente e de homosexualidade para realizar seu trabalho. Desenho, pintura, fotografia, vídeo e neon são seus meios prediletos. Participou das Bienais de Sidnei, de Veneza, do Whitney Museum e de Kwongju. Esteve na Documenta de Kassel XI. É representado pela Regent Projects, Los Angeles. O artista teve retrospectiva no Whitney Museum of America Art, Nova York.

Warm Broad Glow, 2005

I agree # 1, 2007.

Sem título

America, 2011.

Instalação no Whitney Museum of American Art. Com poster de escravos e fotos do livro Black Book de Mapplethorpe construiu sua própria narrativa.

Rückenfigur, 2009. Neon e tinta.

Da exposição America.

No 417, 1990. Dreambook Series.

Instalação Self-portraits, 1996.

Sem título Thank you, 2008.

Self portrait at eleven years old, 2004. Coleção particular.

Stranger in the village no 17, 2000. Coleção particular.

There is a consciousness we all have, 1988. MoMA, Nova York.

Conversando sobre Arte Entrevistada Yara Pina

2012-03-07T07:00:00.000-03:00

Yara Pina

Iara jovem artista de Goiânia, foi selecionada e participou da expsição Abre Alas da Gentil Carioca. Seu meio de expressão é o desenho explorado ao limite máximo. Obrigado Iara.

Yara, fale sobre sua vida pessoal

Nasci em 1979 em Goiânia, cidade onde vivo e trabalho. Minha família é de Pirenópolis, Goiás. Antes de fazer Faculdade de Artes Visuais me formei em Biblioteconomia pela Universidade Federal de Goiás. Atualmente, sou bibliotecária no Museu de Arte de Goiânia.

Quando e como a arte entrou em sua vida?
Minhas primeiras experimentações ocorreram com o desenho durante a Faculdade de Artes. Até hoje, o desenho é a principal referência para meus trabalhos.

Qual foi sua formação artística?
Em 2007, concluí a Especialização em Arte Contemporânea, e em 2009, a Faculdade de Artes Visuais, habilitação em artes plásticas, ambas pela Universidade Federal de Goiás.

Que artistas influenciam seu pensamento?

Artur Barrio, Helena Almeida (Portugal), Allan Kaprow, Lucio Fontana, Joseph Beuys, Georges Seurat, Marina Abramovic, Richard Serra.

Como você descreve sua obra?

Meus trabalhos são feitos com materiais do desenho: carvão e papel, explorando ações ordinárias do cotidiano. Gosto também de escavar a história da arte e trabalhar com violações, precariedade e efemeridade que envolvem as ações e os objetos .

O que a influencia além dos estudos sobre arte?

Ações ordinárias do cotidiano, biblioclastia, história do livro, filosofia, antropologia e arqueologia.

A vida de um artista é difícil num centro maior, como é em Goiânia?
Estou vivenciando isso agora, acho que cada local apresenta suas dificuldades.... seja por sua localização, estar fora dos grandes eixos, seu isolamento, ou até mesmo pela saturação e concorrência que acontecem nos grandes eixos.

A obra em papel é pouco valorizada em relação à pintura ou escultura?
Como trabalho artístico não, mas talvez para o mercado sim....

Além do desenho você realiza performances, como o artista é remunerado?

Meus trabalhos são feitos de materiais precários, papel amassado, rasgado, poeira... às vezes o que resta é só o registro do trabalho. Em quase sua totalidade, eles não são montados, são sempre "executados" no espaço expositivo, dependem da minha presença. Acho que é mais complicado ser remunerada quando se trabalha com precariedade e efemeridade.

Você foi selecionada e participa da exposição Abre Alas da Gentil Carioca no Rio de Janeiro, como é a experiência?
O Abre Alas foi minha primeira exposição fora de Goiás. É uma oportunidade do trabalho ser conhecido, se tornar visível, trocar experiências e dialogar com outros trabalhos. O Abre Alas selecionou os trabalhos através dos portfólios, e isso me deixou muito a vontade.

O que pensa sobre os Salões de Arte? Alguma sugestão para aperfeiçoá-los?

Acredito que alguns salões são muito reducionistas... Por outro lado, tenho visto alguns salões com editais diferenciados, como o Salão de Abril, Arte Pará, dentre outros. Isso me deixa mais a vontade para inscrever os trabalhos. Acho que alguns Salões precisam rever seus editais e formatos, e saber que quando se trata de um Salão de Arte Contemporânea, estão trabalhando com arte pluralista, contaminada, linguagens difusas.

Quais são seus sonhos futuros?

Estou vivenciando a experiência de expor em outros estados, recentemente fui selecionada para o Salão de Abril.... Estou feliz com esses resultados. Meu foco agora é bem no presente.

O que você faz nas horas livres?
Leio, escrevo e desenho.

Sem título, 2011.

--
Yara Pina
(62) 8432 6766

http://www.yarapina.com

Conversando sobre Arte Entrevistada Gabriela Brasileiro

2012-03-06T06:02:00.000-03:00

Gabriela Brasileiro

Gabriela jovem artista de Belo Horizonte com um trabalho de veterana. Obrigado Gabriela. Sucesso.

Gabriela, conte algo de sua vida pessoal

Meus pais são mineiros, mãe paisagista nascida em Belo horizonte e pai joalheiro nascido em Dores do Indaiá.

Nasci em Belo Horizonte onde até então moro. Estudei entre escolas particulares e públicas, dentre elas A Escola de Belas artes da UFMG. Atualmente trabalho produzindo e também com arte educação.

Como a Arte entrou em sua vida?

Antes mesmo de ser gerada, meus pais sempre foram ligados a arte. Inclusive meu pai era muito envolvido com o teatro e arte na década de 80.Contudo nao levou adiante. Assim desde pequena tive este contato e incentivo por parte deles. Como autodidata desenhava em grafite. Depois, comecei na adolescência a frequentar escola de desenho.

Qual foi sua formação artística?

Me formei na Escola de Belas Artes UFMG, bacharel em pintura, dentre outras passagens como gravura (serigrafia), fotografia, e artes gráficas. Além de aulas de desenho antes de entrar na faculdade.

Que artistas influenciam seu pensamento?

Primeiramente grandes mestres da pintura como Gustav klimt, René Magritte. Mas o movimento pop arte seria o principal, como Andy Warhol, porém no sentido plástico, principalmente o uso da serigrafia. Já questões de pesquisa aproximam mais de artistas como Frida kahlo e seu mundo simbólico, Gerhard Richter e suas experimentações de pinturas quase que fotográficas. E muitos outros contemporâneos, além de fotógrafos como Nan Goldin. Seria uma lista enorme já que a cada momento descobrimos trabalhos fantásticos numa pesquisa, numa exposição vista.

Como você descreve sua obra e qual o assunto preferido?
Minhas pinturas são o resultado de uma pesquisa enorme de imagens coletadas na internet e outros veículos. Na sua maioria com temas ligados ao feminino.

Como você vê a arte contemporânea em Belo Horizonte?

Existem grandes artistas em Belo Horizonte, e poucos espaços de divulgação e apoio a estes. Comparado a São Paulo e Rio de Janeiro, Belo Horizonte estaria começando a investir nesta área cultural e artística. Assim poucas exposições acontecem onde se deveria ter mais com tantos artistas de qualidade.

Que exposição você considera a mais importante?

Cada uma tem sua particularidade e importância, todas são parte de uma conquista.

Qual a importância dos Salões de Arte?

Creio que para os jovens artistas é um ótimo começo. Já participei de alguns.

É possível viver de arte no Brasil?

Acredito e tenho a esperança que sim!

Quais são seus planos para o futuro?
Pretendo continuar minhas pesquisas no atelier e também desenvolver projetos. Participar de residências e exposições. Mestrados, Salões de Arte, exposições, residências.

E foram felizes para sempre, 2011. Estencil, têmpera, e acrília sobre tela. 195x152 cm.

Alice, 2009. Estencil, têmpera e acrílica sobre tela. 185x125 cm.

Perfeição, 2007. Serigrafia e acrílica sobre tela. 180x150 cm.

Espelho meu, espelho meu!

Sem título

Sapatinhos Coleção Galdstone e Eduarda Mamede.

Quero ver se os sapainhos me servem.

Transferência, transparência e vestígios
"A arte e a vida estabelecem uma relação cada vez mais estreita para mim, desde o arquivar das imagens até a última pincelada. Apenas os vestígios das minhas experiências é que se mostram nas minhas pinturas. Muitos dos símbolos e representações dessa produção ficam obscuros e muitas vezes secretos ao espectador. Cada significância pode e é agenciada de diferentes maneiras por ele, a pintura fala quando transfere essas relações e sentidos das imagens.
Estas familiaridades, de um modo geral, se estabelecem através de objetos, artefatos femininos, tais como sapatos, roupas, bordados, estampas e muitos outros elementos. Estas imagens compõem um mundo de referências, os objetos têm seu significado usual e prático substituído por livres associações que, a partir das formas libertas de sua funcionalidade, remetem mentalmente a outros objetos.
Seguindo essa proposta de releitura, busco através da colagem estruturar o projeto da pintura. Essa colagem reúne imagens de uma realidade cotidiana, que dificilmente estariam juntas em outra situação. Elas são como estratégias de afloramento e estilização, e não existe portanto, um desejo de interpretação que direciona para um certo e único lugar.
Talvez por isso seja tão necessário desconstruir, descontextualizar e deslocar essas imagens para o processo da pintura. Essa colagem é previamente planejada, vezes feita por montagens no computador e vezes como simples esboço no caderno de artista. Esta imagem pintada é realizada por camadas, transparências e sobreposições.
Tudo isso é permitido pela tinta acrílica, desde as suaves transparências da aguada a densas formas gráficas e planas.
São essas possibilidades que criam o meio em que as figuras se assentam, muitas vezes construído por aguadas ora transparentes, ora densas, são como paisagens ou ambientes de profundidade infinita. O primeiro plano formado pelas figuras humanas é construído com uma pincelada mais gráfica, já que a tinta acrílica não permite o degrade oferecido pela tinta a óleo. Num plano intermediário, entre as volumosas aguadas e as figuras humanas, surgem formas transferidas e repetidas pelo estêncil ou pela serigrafia.
Estas repetições se mostram fragmentadas, incompletas, quase que tensionadas pela ameaça de sua própria ausência, apagamentos e vestígios. Muitas vezes se destacam em inconstantes planos coloridos.
A pintura finalizada não é espelho da realidade, porque não quer ser confundida com o registro realista, porque é possível pensar uma realidade sem necessidade de representá-la.
O papel da imagem fotográfica para construção do arquivo-memória ou mesmo os arquivos de documentos, tornam-se imprescindíveis como parte do meu processo, pois as fotografias são as testemunhas de que existiu um presente naquilo que agora é ausente. Nestas bases, a fotografia tem em sua principal função a capacidade de transformar em documento aquilo que é efêmero. Talvez seja esse fio invisível que me liga a fotografia, e é aquilo definido por Barthes como o punctum: “O punctum de uma foto é esse acaso que, nela, me punge (mas também me mortifica, me fere).” (A câmara clara, 1984 p. 46)
O uso de imagens fotográficas como referência para a pintura, chama a atenção pelas possibilidades de expansão que adquirem e pela renovação de suas condições de recepção, por suas inusitadas apropriações e colagens visuais.
O objetivo da exposição é estabelecer um ambiente de sonhos, e percebendo relações entre as pinturas o espectador possa se transpor para a não realidade. Em ecos de um passado."

Gabriela Brasileiro e Mariana Parzewski

Shen Shaomin A Morte como Tema

2012-03-05T05:17:00.000-03:00

Shen Shaomin (1956-) Nasceu em Heilongjiang province, China. Vive e trabalha em Sidnei ePequim. Participou das Bienais de Sidnei, Pequim, Liverpool e da trienal de Guongzhon. Trabalha com pinturas, objetos, instalações e vídeos. O tema principal de sua obra é a morte quer trabalhando comgrandes corpos de diferentes autoridades chinesas ou estrangeiras, quer contruindo estranha figuras híbridas de animais com ossos reais. Utiliza-se, ainda, de instalções mecânicas para conectar a vida e arte discutindo guerra, manipulação da natureza (série Bonzai) e política. O artista é representado pela Eli Klein Fine Art.

Hidden Hexagon

Bonsai

Bonsai

Mona Lisa, 2007 Vendida pela Sotheby's US$ 45 000.

Série Experimental field. Peapod, 2004.

Série Experimental field.

Série Fighter

Série Fighter

Instalação Summit, 2010 Bienal de Sidnei.

Instalação Summit detalhe

Instalação Summit, Fidel Castro, 2009.

Série Unknkow Creature, 2002. Saatchi Collection.

Série Unknown creature.

Série Unknown creatures, Sagittarius.

Instalção Oil machine.

Série Oil machine, detalhe.

Venus

Sunflower, 2005.

Imagem Semanal Maçã

2012-03-04T09:50:00.002-03:00

“O tema pode ser aquilo que se quiser. Bonito ou feio. A beleza da obra de arte reside na obra de arte em si mesmo”.

Robert Henri

A fruta mais representada na pintura deve ser a maçã, símbolo do pecado original ela aparece em todos os quadros sobre Adão e Eva e, serve como modelo para numerosas naturezas mortas, na arte contemporânea está presente em diferentes pinturas e instalações.

Albrecht Dürer (1471-1568) Nasceu em Nurembergue. Aprendeu o ofício de ourives com seu pai. Aos 15 anos, começou como aprendiz de Michel Welgemut, o maior gravador holandês. Dürer viajou duas vezes a Itália e uma vez aos Países Baixos, sendo influenciado pelos artistas renascentistas. Ao retornar, foi nomeado pintor da corte do imperador Maximiliano I. O artista foi gravador, pintor, ilustrador, escritor, teórico de arte e matemático. Foi o grande mestre da aquarela e o maior nome da Renascença do Norte. Adam and Eve, 1504. Gravura

No mundo contemporâneo, a maçã mordida foi apropriada pelo designer, numa alusão ao desejo e transformada na marca registrada da mais extraordinária empresa, aquela que mudou o mundo _ a Apple, de Steve Jobs.

Steeve Jobs Apple

A maçã aparece, ainda, em praticamente em todos os movimentos da Arte.

Jacques Blanchard (1600-1638) Pintor barroco francês. Sua formação foi em Bologna e Veneza. Antes de retornar a Paris, trabalhou na corte de Turin. Foi influenciado pot Ticiano, Tintoretto e Veronese. Ficou conhecido por suas pinturas religiosas de pequeno tamanho. The Virgin with child Jesus with St Anne offer an apple.

Camile Pissaro (1830-1903) Nasceu nas Antilhas. Pintor francês auto didata. Em 1885, estabeleceu-se em Paris, onde manteve contato com Cézanne e Monet. Durante a guerra Franco Prussiana viveu em Paris. É considerado um dos fundadores do Impressionismo e um dos grandes paisagista da história da arte. Apple picking at Erayny-sur-Ept, 1886. Ora Museum of Art, Okayama, Japão.

Vincent van Gogh (1853-1889) Pintor pós impressionista holandês. Iniciou sua vida profissional trabalhando para um comerciante de arte, sua boa atuação levou-o a Paris e Londres. Abandonou a atividade e dedicou-se ao estudo de Teologia, tornou-se pastor na Bélgica. Em 1880, dedicou-se à pintura retratando a vida dos trabalhadores rurais de seu país. Em 1886, mudou-se para Paris, morando com seu irmão Theo, onde conviveu com Bernard, Toulouse Lautrec, Gauguin e Degas. Dois anos após, instalou-se em Arles, onde pintou os girassóis. As manifestações de doença psiquiátrica tornaram-se mais constantes com períodos de depressão e agressividade levando-o a várias internações. Em 1889, mudou-se para Paris, onde cometeu o suicídio. Gardener near Gnarled apple three, 1883. Litografia. Localização desconhecida.

Rene Magritte (1898-1967) Foi o maior pintor surrealista belga. Trabalhou numa fábrica de papel de parede e desenhando cartazes e anúncios, até se dedicar exclusivamente à arte. Foi influenciado por de Chirico. Por algum tempo, viveu em Paris e foi amigo de Duchamp, Éluard e André Breton. Ceci n'est pas unne pomme, 1964. Coleção particular.

Claes Oldenburgo (1929-) Escultor nascido na Suécia e naturalizado americano. Graduou-se na Latin School Of Chicago e aperfeiçoou-se na Yale Universitye no Institute of Arts of Chicago. No início da carreira, participava de Happenings e estava ligado ao Expressionismo Abstrato. Mais tarde, dedicou-se às esculturas de objetos do dia a dia em escala monumental. Apple (2006) Israel Museum, Jerusalém.

Katharina Fritsch (1956-) Nasceu em Essen, Alemanha. Vive e trabalha em Dusseldorf. Utiliza-se de objetos do dia a dia fora de escala para construção de sua obra com objetos e instalações. Apple, 2010.

Sugestão: Katharina Frischt _ Tate Gallery, 2002

Hyungkoo Lee Animatus

2012-03-03T07:36:00.000-03:00

Hyungkoo Lee (1969-) Nasceu em Pohang, Coreia Graduou-se no College of Fine Arts, Hongik University, Seoul. Cursou o Mestrado na School of Art, Yale University, New Haven. Vive e trabalha em Seoul Sua mais conhecida obra é a série Animatus realizada com apoio Natural History Museum, Basel. O artista, utilizando-se de métodos científicos, reconstroe o esqueleto de animais, a maioria deles de figuras utilizadas em animação. Participou da Bienal de Veneza. O artista é representado pela Arario Gallery.

Pac man Gentil Garçon

Kristen Morgin A Cerâmica como Arte

2012-03-02T07:22:00.000-03:00

Kristen Morgin (1968-) Artista americana nascida em Brunswik, Georgia.. Graduou-se pela California State University. Recebeu o título de Mestre pela Alfred University, Alferd, Nova York. Vive e trabalha em Gardenia, Los Angeles Participou da Bienal de Cerâmica da Coreia. Instalações e objetos encontrados e histórico reproduzidos com a mesma escala do original em cerâmica não queimado, depois de pronto há a intervenção da artista com pintura e quebra de vários pedaços. Cada objeto é memorizado e destruído. É representada pela Marc Selwin Fine Art.

Caroussel Horse (2006) Cerâmica, madeira, arame e tinta.

Topolino (2003)

The Reapiting table (2010)

Cello # 1 (2001) Marc Selwyn Fine Art.

Smokes loves your sugar dancer, 2010.

Wrecked spider, 2010.

New York be nice (2010).

Piano Forte, 2004.

Salt Mary (2001)

Lion (2006) Collection Wesley Phoa and Morgant Morgan.

Popeye cloned (2008).

Everyone I have ever know (2008) Instalação.

Snow White and woodland creatures, 2012.

Charles Chaplin, 2012.

Snow white in evening wear and others works, 2012.

Goya Disaster

Fernando de La Rocque na Artur Fidalgo Galeria

2012-03-01T17:29:00.001-03:00

Artur Fidalgo galeria dando continuidade ao Projeto Armazém Fidalgo convidou o artista Fernando de La Rocque para apresentar seus mais recentes trabalhos intitulados Silhuetas de Amor à Luz da Lua, que fazem parte da série Colônias, onde desenhos eróticos são aplicados sobre diferentes suportes, como azulejos, aparelhos de chá, papel de parede, bordados, etc. Serão apresentadas pinturas feitas com aplicação de stencil recortado a mão pelo artista sobre seus próprios desenhos, e utilizadas poucas vezes até sua saturação, garantindo um pequeno numero de trabalhos feitos com a mesma matriz.

Segundo o artista: "Esta exposição é uma homenagem à mulher, que é a matriz das matrizes – sem mulher não há mundo. A única porta de entrada para o mundo é a mulher. E a mais sofisticada das técnicas de reprodução é o amor.”.

Este artista faz apologia ao amor.

abertura 08 de março de 2012,quinta-feira, 19h às 23h

exposição 08 de março a 07 de abril de 2012 no Armazém Fidalgo

2ª a 6ª de 10h às 19h, Sab de 10h às 14h

rua Siqueira Campos n° 143 2° piso lj 138

Copacabana Rio de Janeiro RJ Brasil

entrada franca

Conversando sobre Arte Entrevistado Marcio Vilela

2012-03-01T07:42:00.000-03:00

Marcio Vilela

Marcio fotógrafo, artista e professor. Vive e trabalha em Lisboa. Sólida formação e uma excelente obra. O artista foi selecionado e participa da exposição Abre Alas da Gentil Carioca, Rio de Janeiro.Grato Marcio.

Marcio, conte um pouco de sua história pessoal

Nasci em Recife, em 1978. Acho que sempre tive uma relação muito próxima com produção artística, pois meu irmão já dava sinais que iria seguir por este caminho desde criança. Mas até aos meus 23 anos acompanhei a produção dele e de outros amigos como mero espectador. Eu sempre senti uma vontade de me relacionar com a arte de uma maneira mais incisiva e pessoal, mas como nunca me senti especialmente dotado para o desenho ou pintura isto sempre foi ficando de lado. Estudei medicina veterinária até ao final do 3º ano do curso, quando finalmente conheci a fotografia. A fotografia parecia uma coisa mais democrática e fácil... ingenuamente eu achava isso. Comecei então a me dedicar bastante a produção de imagens, de tal forma que estudar medicina veterinária deixou de fazer sentido. Decidi que precisava de mudar tudo, até de pais.. Em 2002, com 23 anos, vim para Portugal estudar. Aqui descobri que o meio era realmente democrático mas que a “facilidade” oferecida era diretamente proporcional a minha ingenuidade.

Como foi sua formação artística?

Em 2002, vim para Portugal estudar na licenciatura em fotografia na Escola Superior de Tecnologia de Tomar. A licenciatura teve uma duração de 4 anos e foi extremamente importante na minha formação artística, pois me deu as ferramentas técnicas necessárias para executar meus projetos da maneira que os penso. Existiram outras coisa não académicas que contribuíram para a minha formação artística, como a minha participação no Anteciparte 2008 e minha residência no Carpe Diem-Arte e Pesquisa, que durou quase 2 anos e que vai culminar com a apresentação de um novo projeto agora no dia 3 de Março.

Que artista influenciam seu pensamento?

Caravaggio, Robert Smithson, Gordon Matta Clark, Alech Soth, Andreas Gursky, Gus Van Sant...

Como foi sua decisão de se fixar em Portugal?
Eu precisava mudar tudo, a fotografia tinha tomado conta da minha vida de uma maneira inequívoca. Antes de vir para cá pensei em vários países, como França, Inglaterra e Estados Unidos. Mas entre barreiras linguisticas e custos Portugal me pareceu o melhor. Meu avô era português também, e achei que fazer o caminho de volta fazia muito sentido. Vir não foi uma decisão difícil, eu estava comprometido com a mudança e nem olhei para trás.

Você tem rotina de trabalho?

Eu sou professor de fotografia no mestrado em fotografia na ESTT, onde me formei, dou aulas todas as semanas... esta é a única rotina que cultivo. Os trabalhos autorais criam as suas próprias dinâmicas, por vezes estou semanas sem produzir, outras vezes posso trabalhar 7 dias por semana. Eu não gosto de rotinas.

Você escreve sobre seu trabalho?

Sim, mas os textos não são divulgados. Escrevo mais como uma ferramenta para construir o pensamento sobre um determinado projeto.

Além dos estudos sobre arte, o que serve de inspiração?

Acho que ver e conviver com o trabalho de outros autores é o principal. Viajar ajuda muito, principalmente ir ao Brasil. Ver filmes, surfar, ouvir música, caminhar na paisagem, dar aulas e conversar com algumas pessoas que tem este poder de “libertar”... isto tudo me inspira de uma maneira muito forte.

Você participou numa exposição no Rio de Janeiro (Galeria Gentil Carioca) o que representa para sua carreira?

Estar no Abre Alas 8 foi uma oportunidade de mostrar meu trabalho “em casa”, isto para mim é muito importante pois apesar de viver em Portugal sinto que este elo artístico com o Brasil é cada vez mais forte. Conhecer pessoalmente outros artistas brasileiros também foi muito bom, existe ai uma dinâmica de produção incrível. Ir ao Brasil é sempre um sentimento de “carregar baterias”, é uma coisa que me preenche muito.

É possível viver de Arte em Portugal?

Viver exclusivamente de arte em Portugal, na minha opinião, é bastante difícil. A maioria dos artistas que conheço tem actividades paralelas para sustentar a produção. Existem artistas com carreira consolidada que conseguem. Portanto, é possível, mas não é fácil.

Você é professor em uma faculdade, poderia contar essa experiência e como ela se insere em seu trabalho?
Eu gosto muito de dar aulas, é quase uma necessidade. Acho que ensinar é aprender, o meu discurso como docente está sempre sofrendo mudanças, estou sendo sempre “forçado” a sair da minha zona de conforto, a procurar coisas novas. Esta deslocação da zona de conforto muitas vezes tem uma influência no meu trabalho. No fundo acho que é tudo a mesma coisa... dar aulas, ser artista, escolher o filme que vou ver... É tudo consequência daquilo que sou.

Quais são seus planos para o futuro?

Voltar para o Brasil

O que faz nas horas vagas?

Gosto de ir ver exposições, ver filmes, ir praia e fazer surf e de estar com meus amigos. Estou aprendendo a tocar bateria também.

http://www.marciovilela.com

http://www.mariamoura.com.br

Conversando sobre Arte Entrevistada Patricia Gouvêa

2012-02-29T07:14:00.003-03:00

Patrícia Gouvêa por Isabel Lögfren

Patricia fotógrafa, artista e fundadora do Ateliê da Imagem permite ao leitor identificar a correlação entre sua madura entrevista e a qualidade de sua obra. Obrigado Patricia.

Patricia, conte algo de sua vida pessoal

Nasci no Rio de Janeiro em 1973, filha de pai bancário e mãe dona de casa. Estudei o primeiro grau no Colégio Marista São José, na Tijuca, e o segundo grau na Escola Suiço-Brasileira, em Santa Teresa. Morei na Tijuca até os 18 anos de idade, quando mudei com minha família para a Urca e coincidentemente ingressei na Escola de Comunicação da UFRJ, que fica no mesmo bairro.

Como a Arte entrou em sua vida?

Quando tinha 17 anos passei uma temporada na Alemanha estudando o idioma num curso que era vinculado à Universidade de Heidelberg, cidade universitária e muito cultural. O curso incluía várias visitas a museus, coleções de arte e instituições importantes como a sede da Bauhaus. Quase todos os programas culturais eram de graça para estudantes e, quando não estava estudando, passava boa parte do meu tempo indo em concertos de música clássica nas igrejas desativadas, Também tinha um passe de trem e muitos amigos da Escola Suíça que estavam morando por lá e que me acolhiam nos fins de semana. Conheci Berlim um ano após a queda do Muro, ainda com aquela diferença clara entre a parte ocidental e oriental, que estava parada nos anos 40.

Qual foi sua formação artística?

Quando voltei da Alemanha passei a frequentar todos os cursos livres sobre História da Arte que encontrava na cidade e eram acessíveis para estudantes, como os oferecidos pelo CCBB, e também estudei fotografia na extinta FotoRiografia. Meu desejo era estudar cinema na UFF ou Artes Plásticas na UFRJ, mas acabei desistindo porque o cinema estava naquela época pésssima da extinção da Embrafilme, com muito pouco trabalho, e eu também achava que se estudasse Artes Plásticas iria ser difícil conseguir minha independência financeira rapidamente. Talvez tenha faltado coragem da minha parte… Acabei optando pelo curso de Comunicação Social, pois eu gostava de escrever e achei que poderia ser jornalista. Mas logo no primeiro ano da faculdade comecei a trabalhar como fotógrafa e, aos poucos, fui conseguindo realizar o que eu tinha sonhado. Em 1997 fui selecionada para o Curso Abril de Jornalismo em Revistas, morei uma temporada em São Paulo e trabalhei muito como freelancer. Depois, em 1999, fundei o Ateliê da Imagem e, a partir de 2002, quando ganhei o prêmio de melhor portifólio no Encuentros Abiertos de Fotografía de Buenos Aires, passei realmente a me dedicar aos meus projetos autorais.

Que artistas influenciam seu pensamento?
São muitos, mas vou citar os que estão sempre na minha cabeça: Francesca Woodman, Maya Deren, Agnès Varda, Abbas Kiarostami, Cildo Meirelles, Kim Sooja, Rosângela Rennó, Claudia Andujar e Shirin Neshat.

Como você descreve sua obra e qual o assunto preferido?

Desenvolvo uma pesquisa sobre os desdobramentos da noção de Tempo, e as possíveis interfaces entre a fotografia e a imagem em movimento, principalmente. Esta pesquisa foi desenvolvida teoricamente na minha dissertação de Mestrado em Comunicação e Cultura, também feito na ECO/UFRJ, na linha Tecnologias da Comunicação e Estéticas da Imagem, que deu origem ao livro “Membranas de Luz: os tempos na imagem contemporânea”, publicado em 2011 pela Azougue Editorial. Mais recentemente, meus projetos têm incluído também a palavra e as intervenções no espaço, como na série Banco de Tempo, atualmente em exposição na galeria e no jardim do Museu da República, em exposição até 29 de abril. Este projeto foi todo feito em parceria com a artista Isabel Löfgren.

Fotografia digital ou com filme?
O que for mais adequado para a materialização de uma idéia.

Fotografia ou vídeo, alguma preferência?
Não tenho nenhuma preferência a priori. Mas me interessa muito pensar nas relações entre estas mídias.

Que exposição você considera a mais importante?

Do meu trabalho? Sem dúvida, minha primeira individual “Imagens Posteriores”, em 2003, com curadoria do João Wesley de Souza, que foi meu orientador por muitos anos, na antiga galeria Lana Botelho Artes Visuais, na Gávea, que depois virou Galeria 90 Arte Contemporânea, que infelizmente já fechou. A primeira individual a gente nunca esquece. Pelo nervosismo, pelo aprendizado das coisas que dão certo e também pelos erros. Mas a exposição mais importante da vida foi a de Francesca Woodman, que vi no Rencontres d’Arles, na França, em 1998. Saí passando mal… Ela construiu uma obra intensa e surpreendente em muito pouco tempo, dos 14 aos 32 anos de idade, quando suicidou-se. Ela virou um parâmetro angustiante pra mim.

É possível viver de arte no Brasil?

Eu acho possível sim, mas exige muita perseverança, desapego, obstinação. Tempo para plantar e esperar a colheita. Vejo muita gente querendo surfar na onda de ser artista, principalmente no meio fotográfico, como se fosse apenas como acordar um dia e decidir “vou ser fotógrafo de arte” porque é isso agora que está na moda. Você não é artista porque está na moda, e sim porque simplesmente você não pode ser outra coisa. Você pode até fugir deste caminho, como eu tentei por um tempo, mas é algo que em algum momento você terá que lidar, porque é uma necessidade existencial.

Você é fundadora e diretora do conceituado Ateliê da Imagem, poderia comentar a contribuição dele para a Arte?

Eu acho que o Ateliê ajudou a formar uma nova geração de fotógrafos, artistas e apreciadores da imagem que não têm preconceitos com os outros suportes, o que é um diferencial para gerações anteriores, onde o que mais importava era o meio e não o conceito.Quando a gente começou a insistir nos hibridismos, que depois viraram um lugar-comum na arte contemporânea, muita gente torcia o nariz para a gente. No Ateliê tem muito espaço para a técnica, para o fazer bem-feito que eu pessoalmente considero algo importante. Mas pensar a imagem e promover o debate entre a fotografia, o vídeo, o cinema, as mídias digitais, a performance etc é o nosso grande norte. Isto se reflete na programação das Sextas Livres, evento que promovemos desde 1999 sem interrupção, nas exposições da nossa pequena Galeria, nos seminários e curadorias que organizamos por aí afora.

O que é o grupo DOC?

O Grupo DOC (Desordem Obssessiva Compulsiva) é um coletivo fundado em 2005 por mim e os artistas quase irmãos Isabel Löfgren, Marco Antonio Portela e Mauro Bandeira. Fizemos parte do mesmo grupo de estudos com o João Wesley de Souza. Fomos muito atuantes entre 2005 e 2009, promovendo diversas ações artísticas afetuosas, cujo objetivo era materializar nossas idéias e desafiar artistas amigos a contribuírem conosco, num movimento de artistas para artistas. Nossa ação mais conhecida e que mobilizou mais artistas no Brasil e no exterior (Bogotá e Estocolmo) foi a NANOEXPOSIÇÃO, que tinha como desafio produzir uma obra com o mínimo de tamanho e o máximo de potência. Na primeira versão, realizada em 2005 na Galeria Arte em Dobro, teve a participação de 34 artistas. Na última, em Estocolmo, realizada em 2009, teve a participação de mais de 200 artistas. Em todas as cidades em que foram realizadas convidávamos um curador que, por sua vez, convidava artistas da cidade. As vernissages eram sempre uma festa, com um monte de adultos e crianças manipulando lupas para ver as obras. Em Estocolmo, por exemplo, foram mil visitantes em apenas 15 dias, numa galeria totalmente off circuitão, também gerida por um coletivo. Todas as nossas ações podem ser vistas em www.grupodoc.net

Estamos tentando reativar o coletivo, mas, com a Isabel morando na Suécia, fica um pouco mais difícil… Temos um convite para o Projeto Vitrine Efêmera em novembro, vamos ver.

Quais são seus planos para o futuro?

Neste momento estou bem focada na captação para o meu segundo livro, o primeiro só com meu trabalho, sobre a série Imagens Posteriores, desenvolvida entre 1999 e 2009. O projeto gráfico está a cargo da Elisa von Randow, com edição de Claudia Buzzetti e texto de André Vianna, todos amigos muito importantes na minha vida. É assim que gosto de trabalhar.

Tenho possibilidades de viajar este ano com minha individual Exercícios de Arte Lúdica, apresentada ano passado no CCJF e pretendo realizar até o fim do ano a segunda edição do Máquinas de Luz: Forum das Imagens Técnicas, projeto que idealizei e que foi realizado em 2009 no Cine Glória, com patrocínio do BNDES.

Além disso, estou trabalhando num projeto de imagem e som desde 2010 com o compositor e músico Marcos Kuzka, vamos apresentar um projeto-piloto agora no dia 01/03 na ocupação “Verão” na Galeria da Gávea. E, mais a longo prazo, pretendo logo que for possível fazer um doutorado, já estou com saudades desta imersão.

Fenda (2003/2006)

Membrana da série Corpo Significante (2005/in progress)

Série Imagens Posteriores (1999-2009)

Exercícios da Arte Lúdica (2005/in progress)

A Volta do Parque em 80 Mundos (detalhe) Still do vídeo Lecture sur L'Herbe e registro da instalação Desejo de Horas série Banco de Tempo.

Tarde (still do vídeo) da série Observações sobre o Tempo.

Para conhecer outros trabalhos, os vídeos e o Ateliê da Imagem vá para os sites abaixo.

www.vimeo.com/patriciagouvea

www.patriciagouvea.com

www.ateliedaimagem.com.br

Conversando sobre Arte Entrevistado Edney Antunes

2012-02-28T08:11:00.001-03:00

Edney Antunes

O artista vive etrabalha em Goiânia. Seu tema central é o ser humano. Textos de Divino Sobral e Carlos Sena enriquecem a entrevista. Obrigado Edney

Edney , conte um pouco de sua história

Eu nasci em Goiânia , no dia 21 de março de 1966, Onde vivo até hoje , Venho de uma família simples , porém , o meu pai (Já falecido ) , José Antunes), Era escritor e chegou a publicar dois importantes livros da literatura goiana: “Gravatás” é “capoeirão” : acredito que vem daí a minha aptdão para as artes plásticas. Eu me lembro bem de meu pai escrevendo à mão as idéias iniciais de seus livros e contos . E, mesmo ainda não estando totalmente alfabetizado , eu folheava aqueles cadernos e me chamava a atenção , além da bela caligrafia de meu pai , eram os pequenos desenhos que ele acrescentava nas bordas das páginas. Bem mais tarde eu perguntei a ele o que eram aqueles desenhos e com um sorriso ele me disse que sempre quis ser desenhista e aquelas ,Pequenas figuras eram os personagens de seus contos que ele tentava transformar em desenhos. Às duras penas , terminei os estudos fundamentais, pois eu não conseguia me “concentrar”em nada;(hoje eu seria diagnosticado como hiperativo). A minha infância foi muito tumultuada, porém eu era extremamente feliz. Como toda criança imaginativa é, mais foi na infância que comecei a sentir as “dores do mundo “ eu me lembro bem na TV uma cena de tanque de guerra em um campo todo destruído e uma mãe segurando uma criança e gritando . Naquela época as TVs eram preto e branco e eu penso que aquelas imagens eram da guerra no vietnan , pois todos dias apareciam imagens assim na TV,-e , pelo visto , até hoje!

No seu currículo aparece ser autodidata, mas como você construiu seu pensamento ?

Na minha geração , assim como a anterior os artistas , são em sua maioria autodidatas , pois Goiânia é uma cidade ainda jovem com seus 79 anos a minha formação se deu direto com o convívio com outros artistas em ateliers e bares , com conversas até acaloradas em algumas ocasiões , mas depois tudo ficava bem , eu tive o privilégio de conhecer artistas pioneiros em Goiás , Alguns já falecidos como Dj.Oliveira , Cléber Gouveia e o ainda atuante Roos -(um dos que mais admiro) e também tem o Siron, o Poteiro (também já falecido ). A arte em Goiás sempre teve uma grande vocação pictórica a pintura aqui é a linguagem mais usada pelos artistas , e eu também me inicie nesta linguagem .já nos anos 80 , eu me encontrava insastifeito com os limites desse suporte e não enxergava na cena local nenhuma renovação de linguagem , foi então que me chegou às mãos um catálogo sobre a obra de Marcel Duchamp, Em 1987 , Aquilo virou a minha cabeça “ Fui falar com outro artistas de “minha descoberta “ e me “bateram com a porta na cara “ também vieram as dificuldades financeiras , pois eu não queria fazer a mesma pintura para o mesmo mercado . Acabei perdendo o meu atelier e tive que arrumar emprego como (arte – finalista )em uma confecção e como o dinheiro era pouco para comprar material para os meus trabalhos, comecei a recolher objetos nas ruas e recontextualizá-los , em uma tentaviva de “Ready-made “ ,sozinho fui fazendo as minhas pesquisas direcionando o meu pensamento para a arte contemporânea .

Quais artistas influenciam na construção do seu trabalho?

Quando eu vou realizar algum trabalho , o que me inquieta não é a história da arte , ou outros artistas , é sempre algo pessoal ou o meu próprio cotidiano , eu penso o meu trabalho como tentativas de enteder o mundo , é algo intimo , um diálogo silencioso que preciso travar , entre eu mesmo e a existência transitória , mas eu sempre saio com a sensação de ter sido derrotado . E isso me impulsiona a tentar realizar outros trabalhos. Os artistas que mais admiro são aqueles que constroem sensações visuais com pensamentos que tenham a condição humana como eixo de transformações , ex: On Kawara , Marcel Broodthaers e Krzystof wodzko .

Como você descreve a sua obra ?

As questões políticas são sempre observadas por especialistas em minha obra , mas eu falo em meu trabalho deste mundo , tendo o ser humano como assunto , muitas vezes aponto o olhar para próprio mundo das artes como as ações que o mercado toma , levando com isso as mudanças da própria historia da arte . Me vejo como um artista naturalista que retrata a paisagem de seu tempo .

Você tem rotina de trabalho ?

Não,fazer arte para mim é algo extremamente pertubador. Algo de que sempre tento fugir. Mas, por varias implicações , eu acabo sucumbindo e realizando.

Você escreve sobre o seu trabalho ?

Já escrevi mais sobre trabalhos de outros artistas que sobre o meu próprio ,por um lado é um exercício válido escrever sobre a própria obra , mas , por outro , a linguagem escrita pode sobrepujar a própria obra e o artista de enamorar por ela . Eu prefiro “falar “ com objetos em minha obra , esse diálogo é algo importante pra mim ; Eu Sempre formalizo o meu trabalho pelo espaço que os objetos ocuparão.

Além dos estudos sobre artes o que serve de inspiração ?

Até supermercado me inspira , já resolvi algumas questões em minha obra olhando as gôndolas desses espaços .

Você poderia nos dar uma panorama de arte contemporânea em Goiânia e Brasília.

Mesmo estando próximas , o panorma da arte contemporânea em Goiânia e Brasília vive realidades bastante diferentes . até mesmo porque Brasília tem artistas residentes oriundos de diferentes estados brasileiros e até de outros países , enquanto que a maioria dos artistas de Goiás e da região do estado . isso faz com que haja alguns aspectos peculiares na produção local.

Qual a sua opinião sobre os salões de artes?

Eu vejo com bons olhos os salões de arte. Até porque a minha trajetória artística e firmada por passagens e algumas premiações nestes eventos , acredito que , para , o artista iniciante , e uma forma mais democrática de construir uma trajetória , já que as comissões julgadoras São formadas por especialistas de irrefutável méritos, além dos eventos fornecerem publicações (catálogos ) que autenticam as produções , dos artistas.

É possível viver de arte no Brasil?

Hoje se pode dizer que existe um mercado de arte no Brasil., mas, como qualquer mercado, há grandes oscilações de alta e baixa ,neste momento me parece que está em alta , com crescimento de feiras de arte de abertura de novas galerias diariamente , principalmente onde se concentra o mercado entre rio/são Paulo. Agora, isso não livra a maioria dos artistas das dificuldades de sempre, pois há um grande contigente de artistas almejando os mesmo espaços . E, como sabemos , no cimo da montanha cabem poucos.

Quais são os seus planos para o futuro?

Depois de 30 anos de trabalho expondo em espaços institucionais , eu estou focado em me situar melhor no mercado , em recente encontro para analise de portifólios com o curador e critico de ate , Paulo Henkerhoff depois de olhar os meus trabalhos , ele me disse: ”Você construiu uma obra". Os meus trabalhos já figuram em algumas coleções de museus. Quero alcançar o colecionador particular , ou o simples comprador , que são um importante fator na necessidade de se resguardar a memória artística nacional .

Que você faz nas horas vagas?

Gosto de ficar em meu atelier , cuidando do meu pequeno jardim ou lendo os meus livros sobre arte.

De Zero a..., 2000 Instalação. 5000 balinhas sobre parede. Dimensões variáveis

De Zero a .... detalhe.

My Reality Museum, 2004

Reverolhar, 2004. Museu de Arte de Goiânia.

Memória Zen.

Frontier line, 2007.

Oh Boys, 2008. Alumínio. Dimensões variáveis.

Q-Oração, 2005. Instalação

Os novos desaparecidos, 2006. Carimbos, impressão fotográfica e madeira.

Sequestro da História, 1999. Fotografia e plotagem. Dimensões variáveis.

Te esperando, 2006. Instalação, pratos, plotter e talheres. Dimensões variáveis.

O conjunto de instalações que Edney Antunes desenvolveu nos últimos anos exibe um alinhavo conceitual que coloca sua obra dentro de um campo de relações entre arte, política e mídia, tensionando em diferentes níveis questões relacionadas aos problemas debatidos tanto pelo circuito artístico quanto pela sociedade.
Surge, com freqüência, em sua produção um enunciado crítico sobre a distribuição de poder e de visibilidade dentro da própria instituição da arte, sobre o discurso estético manipulado politicamente pela História da Arte e pelo museu como depositário de coleção pública; em certo momento ele coloca em xeque o jogo entre a autoridade do curador e a liberdade do artista.
A apropriação é uma operação bastante recorrente – arrolam-se imagens de revistas e jornais, de celebridades e de acontecimentos, fotografias de autores e fotografias impessoais de crianças desaparecidas, depoimentos de pedintes e logomarcas de produtos agrícolas – e geralmente a reprodução do elemento apropriado no contexto da obra acontece com a aplicação de técnicas e veículos de natureza publicitária, como back-light, plotter e out-door.
Edney estrutura instalações cujos conteúdos são abordados com retórica descritiva ou narrativa, e faz isso como estratégia de aproximação com o público, preocupado com o envolvimento do espectador e em suas implicações. Muitas vezes ele propõe trabalhos interativos que operam com a participação direta do espectador no corpo da obra, convidado a chupar uma bala, a carimbar a mão, a apagar uma tarja sobre os olhos, ou simplesmente a olhar-se no espelho e ver-se refletido dentro da obra, e assim o sentido da visão do espectador passa, também, a ser explorado pelo artista.
Algumas instalações de Edney dão voz aos excluídos e marginalizados para promover a reflexão sobre a realidade social do Brasil; aí entram as imagens de crianças desaparecidas, os retratos dos mendigos, as falas dos pedintes, o prato do faminto. São ícones dos conflitos instalados na realidade de um país repleto de grandes contrastes e de descaso com a população pobre.
O título das obras, escritos em português ou em inglês, é elemento importante que instaura um campo de interpretação onde muitas vezes a ironia se faz presente. Nas obras de Edney o espectador é solicitado tanto a ver imagens e objetos quanto a ler mensagens e textos que funcionam como instruções e chamadas, como depoimentos de conteúdo impactante e como legendas que re-significam as imagens.

Divino Sobral

No início dos anos de 1980, Edney Antunes precocemente apresentou-se ao meio artístico. Autodidata, buscou uma formação solitária, direcionada ao acompanhamento das questões tratadas pela arte brasileira. Antunes passou por muitas fases até chegar a desenvolver trabalhos de consistência – o que ocorreu mais para o final da década. Cabe salientar que o artista desde essa época desenvolveu sua carreira através de participações em Salões e mostras coletivas, e não por meio de exibições individuais. Seu trabalho incorporou repertórios divulgados pelas estéticas do Grafite e do Neo- expressionismo que eram algumas das vogas de então. O artista juntamente com Nonato (artista que integrava o “Atelier Inhumas”) fundou o Grupo Pincel Atômico que respondeu por intervenções de grafite de arte em muitos locais de Goiânia. A experiência com grafite foi concomitante com desenrolar de pinturas em que a figuração humorada e meio pop articulava elementos extraídos do cotidiano, como carros ou comida, revestidos com a citação de uma pele animal executada com cores ácidas, e também com o desenrolar de trabalhos com suportes recortados com figurações que remetiam aos ícones da cultura pop. No final da década, explorou questões relacionadas com representação e gestualidade, abstração e materialidade, e obteve sucessivas premiações nos Salões goianos. As pesquisas matéricas perduraram nos primeiros anos da década de 1990, configuradas nos “Totens” que vergavam o plano à dimensão tridimensional.

Apesar de ter investido no início dos anos 90 na pintura, Edney Antunes logo se concentrou na elaboração de instalações baseadas em diversas apropriações e que enveredavam por reflexões de ordem política, pelo cruzamento de cultura popular com cultura de massas, pelo interesse em tratar temas relacionados com a marginalização cultural e a exclusão social. Depoimentos de pedintes e excluídos foram estampados em camisetas, a imagem de seu auto-retrato como seqüestrador cercada de imagens roubadas da História da Arte, fotos de crianças com tarja nos olhos figuradas como estampas em papéis de balinhas, retratos de adolescentes negros, fotografias de Michael Jackson e da ovelha Dolly com espelhos que refletiam a imagem do público no interior da obra, ou ainda, carimbos para o público carimbar uma imagem em seu corpo, eram manobras que solicitavam uma atitude mais ativa e responsável para com os problemas do mundo real.

Texto de Carlos Sena - Arte Contemporânea de Goiás, de 1970 à atualidade.

http://edneyantunes.blogspot.com

Exposição individual Stella Da Poiam

2012-02-27T06:39:00.001-03:00

Gabriele Picco

2012-02-26T19:03:00.001-03:00

Gabriele Picco (1974-) Nasceu em Brescia. Artista e escritor italiano.Graduou-se em Literatura Moderna pela Universidade de Milão. Inumeros prêmios e exposições em diferentes museus. Seus trabalhos estão em várias coleções importantes (ver abaixo). Três livros publicados, um deles traduzidos para o português. Desenho, objeto, instalação, pintura e performance são utilizados para construção de sua obra. O artista é representado pela Galeria Francesca Minini.

Golden Italy, 2001 70,2x100 cm. MoMA, Nova York.

Diet Pepsi, 2003 21.6x27.9 cm. MoMA, Nova York.

Wind, 2003 21.6x27.9 cm. MoMA, Nova York

Moka painting, 2011. Pigmento sobre tela e máquina de café. 150x200 cm. Série de pinturas feitas durante performance em que o café da máquina foi substituido por pigmento

Spider, 2008 Aranha desidratada e nota de 500 Euros. 8x4,5x4 cm.

That's no way to say good bye, 2007 Garrafa de Whisky e espada de aço. 80x120x30 cm.

Sem título, 2007 Escultura africana de madeira e maçã. 25x18x14 cm.

Chips endless columm, 2007 Dimensões variáveis.

Nuvola, 2011 Instalação realizada em GAMeC. Bergamo.

Every day a Sunday, 2007 Alicate, ovo e brinquedo de plástico 26x17x13 cm.

van Gogh, 2005. 160x15x12 cm.

Tiziano, 2005 160x15x12 cm.

The ocean keepers. Óleo sobre tela.

White House with white flag Óleo sobre tela.

Dear Marcio,

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gabriele

Thank you Gabriele.

http://www.gabrielepicco.con/

PRIZES AND AWARDS

2011
VIADANA PRIZE (literature)
2010
ALINOVI PRIZE (art)

2008
PREMIO ARTEGIOVANE TORINO-MILANO
PREMIO PAGINE BIANCHE D'AUTORE

2004
NEW YORK PRIZE at Columbia University and Italian Academy, New York (winner)

2001
GUARENE PRIZE, Re Rebaudengo Foundation, with Laylah Ali, Muntean/Rosemblum and Thomas Scheibitz, curated by Francesco Bonami and Gianni Romano

2000
MICHETTI PRIZE, new painting in Europe, (winner) Italy
ONUFRI PRIZE (final) Tirana, Albany

1997
Selected for workshop at Ratti Foundation, with Allan Kaprow, Como (Italy)
Selected for workshop at Viafarini with Jimmie Durham, Milan

COLLECTIONS

MoMa, New York
Montblanc Collection
The Robert Lehman Foundation (U.S.A.)
Montblanc collection, Hamburg (Germany)
Michetti Museum, Francavilla al Mare (Italy)
Museo d'Arte Contemporanea Montevergini, Siracusa (Italy)
Museo d'Arte Contemporanea di Monfalcone (Italy)

SOLO EXHIBITIONS

2009
DISEGNATORE DI PARRUCCHE MESSO AL MURO, Massimo Minini, Brescia

2008
FREUD AT STARBUCKS, Francesca Minini, Milan (cat.)

2006
NUOTATORI DI LACRIME IN APNEA SULLA FINE DEL MONDO, Francesca Minini, Milan

2005
Italian Academy at Columbia University, New York

2003
WAITING FOR THE PAINTING, Priska Juschka fine art, New York

2002
MAC Ravenna
IL MONDO IN BOCCA, Le case d'arte, Milano (cat.)

2001
GALLERIA LE CASE D'ARTE, Milano
SPAZIO BOCCONI ARTE, Milano

1999
DISEGNI DAL SOTTOSUOLO, Galleria Loft, Valdagno (VI) (cat.)

1998
DISEGNACCI E DISEGNINI, Viafarini, Milano (cat.)

GROUP EXHIBITIONS

2011
UN'ITALY, Industria gallery, New York, curated by Arianna Rosica
MY BEAUTIFUL MONGO, Thomas Brambilla gallery, Bergamo

2010
IL RAMO D'ORO, Museo d'arte contamporanea di Monfalcone, a cura di Andrea Bruciati e Eva Comuzzi
EUTOPIA, Urban Planning Exhibition Center, Shanghai
IMPRESA PITTURA, Castello Colonna, Genazzano (Roma), curated by Raffaele Gavarro

2009
ALT, UNA COLLEZIONE TRASVERSALE, spazio ALT, Alzano Lombardo, curated by Fabio Cavallucci

2008
SOFT CELL, Galleria Comunale d'arte contemporanea di Monfalcone

2007
GIOVINE ITALIA. Pinacoteca Nazionale, Bologna, curated by Renato Barilli

2006
VIDEO PASSAGES, via Torino, Milan

2005
EXPANDED PAINTING, Prague Biennale, Prague, curated by Helena Kontova and Giancarlo Politi
LE VIE DELL'ARTE, Ente parco Madonie (Palermo), curated by Salvatore Lacagnina
GENERATIONS OF ART - 10 anni alla FAR, Fondazione Antonio Ratti, Como, curated by Giorgio Verzotti
PADIGLIONE ITALIA OUT OF BIENNALE, Trevi Flash Art Museum, Trevi, selected by Andrea Bellini
L'IMMAGINE SOTTILE, Galleria comunale d'arte contemporanea, Monfalcone (GO), Curated By Andrea Bruciati

2004
WALL LIST, Broadway gallery, New York, curated by Marco Antonini
FROM NEW YORK WITH LOVE, Covivant gallery, Tampa, Florida
NEW ITALIAN GENERATION, Assab One, Ex Gea, Milano, curated by Roberto Pinto
ARTE IN TESTA, MACI, Isernia, curated by Luca Beatrice
SUPERMERCATI DELL'ARTE, Museo delle Papesse, Siena

2003
GAME, Ferragamo, New York, curated by Mariuccia Casadio
HOVERING, Peres Project, Los Angeles
20th ANNIVERSARY SHOW, Monica Spruth-Philomene Magers, Koeln

2002
NECESSARI KIDS, Museo Montevergini, Siracusa, curated by Salvatore Lacagnina
VERSO IL FUTURO, identità nell'arte italiana 1990-2002, Museo del Corso, Roma, curated by Ludovico Pratesi e Costantino D'Orazio, selected by Gianni Romano
NUOVO SPAZIO ITALIANO, galleria civica d'arte contemporanea, Trento, curated By Fabio Cavallucci, Giovanna Nicoletti, Giorgio Verzotti
NEXT, Fortino di S. Antonio, Bari, curated by Ludovico Pratesi

2001
JUNGE ITALIANISCHE MALEREI, galleria Binz & Kramer/Ernst Hilger gallery Koln (Germany), Paris, Wienn
PAY ATTENTION, museo MAN Nuoro, curated by Luca Beatrice
INVASIONE ITALIANA, Museo Montevergini Siracusa, curated by Salvatore Lacagnina
BIENNALE DI TIRANA, Tirana (Albany), Curated By Giancarlo Politi
PREMIO GUARENE, Fondazione Re Rebaudengo, Guarene D'Alba (Cn), curated by Francesco Bonami and Gianni Romano

2000
IRONIC, Trevi Flash art Museum Trevi (PG)
LA GENERAZIONE PIÙ ATTESA, Torre del castello Covo (BG), curated by Salvatore Lacagnina
PREMIO MICHETTI (winner), Fondazione Michetti Francavilla al mare , curated by Gianni Romano
FUTURAMA, Museo Pecci Prato, curated ny Raffaele Gavarro e Marco Meneguzzo
MALEREI, Monika Spruth gallery Kon, (Germany)
ONUFRI PRIZE, Tirana, (Albany)
L'OMBELICO DEL MONDO, Ex Mattatoio Roma

1999
FACTS AND FICTIONS, la nuova pittura internazionale tra immaginario e realtà, In Arco, Torino, curated by Luca Beatrice
POMPEIORAMA, Casina Pompeiana, Napoli

1997
INVITATION TO A POINTLESS INVESTIGATION, con Jimmie Durham, Viafarini, Milano, curated by Carolyn Christov-Bakargiev
MOSTRA FINE CORSO con Allan Kaprow, Fondazione Ratti, ex chiesa di S.Francesco, Como, curated by Angela Vettese and Giacinto Dipietrantonio
32 ARTISTI INTERNAZIONALI, tracce di un seminario, Viafarini Milano

1996
PRIMO PREMIO TREVI FLASH ART MUSEUM, Trevi (PG)
TIMECODE, Iperspazio, Milano

1995
CONOSCERE, Spazio Viafarini, Milan, curated by Alessandra Galletta

Imagem Semanal Adão e Eva Reprise revista e ampliada.

2012-02-26T08:12:00.000-03:00

“Nossos primeiros pais foram Adão e Eva: ele foi o pai e ela a mãe, logo somos irmãos”.

Santo Agostinho

Masachio (1401-1428) Importante pintor do Quatrocentto dedicado a execução de afrescos com motivos religiosos. Nasceu em Milão e sua carreira começou aos 16 anos quando mudou para Florença. Abandonou o estilo gótico e bizantino e introduziu a perspectiva científica na pintura. Dedicou-se ao naturalismo. Foi o seguidor de Giotto e influenciou Michelangelo. O seu afresco Expulsion from theGarden of Eden (1426-1427) da Brancasi Chapel mostrava Adão e Eva nus. Algum tempo depois, o Duque de Toscana mandou cobrir a nudez com folhas. Somente em 1980, quando da restauração do quadro as folhas foram retidas. Duas imagens antes e depois da restauração.

Lucas Cranach the Elder (1472-1553) Pintor e gravador alemão ligado aos temas religiosos. Tornou-se conhecido pelos retratos de príncipes e das principais figuras do protestantismo. Foi amigo de Matinho Lutero, de quem recebeu a exclusividade para impressão da bíblia. Adan and Eve (1526) Courtauld Institute of Art Gallery. Foi pintada no estilo classico bíblico. O jardim foi descrito incluindo animais e entre eles a serpente na árvore.

Jean Gersoert Mabuse (1478-1532) Nasceu em Maubuerge, França. Iniciou sua formação artística em Bruges e trabalhou em diferentes países da Europa. Foi seguidor de Rogier van der Weyden e ligado ao Barroco. Cenas bíblicas e retratos de personalidades de sua época compõem sua obra. Adam and Eva (1510) Thyssen Bornemizsa Collection, Madri.

Jacobo Robusti Tintoretto (1518-1571) Tintoretto era seu apelido por ser filho de um tintureiro. Frequentou o atelier de Ticiano, mas ficou pouco tempo. Foi um autodidata interessado na obra de Michelangelo. A maioria de suas obras está em Veneza, onde viveu e morreu. É considerado o grande nome do Maneirismo e precursor do Barroco. Foram seus alunos Domenico, seu filho e Martin Vos. Influenciou a obra deEl Greco. Decorou inúmeros palácios e igrejas e fez muitas obras avulsas. Admirado da música tocava violino. Inventou instrumentos. A perfeição de suas figuras e correto domínio das cores estão presentes em Adam and Eve (1550) Gallerie delliAccademia, Veneza.

Gustav Klimt (1862-1918) Adam and Eve (1917-1918). Obra inacabada. Österreichise Galerie in Belvedere. Klimt viveu na Belle Époque em Viena. Frequentou a Escola de Artes Decorativas de Viena, mas lutou contra o academicismo. Engajou-se no Simbolismo e na Art Nouveau. Fez inumeros trabalhos para prédios públicos e uma brilhante carreira como pintor. Seus temas prediletos o nu feminino e o erotismo. Foi professor honorário das Universidades de Viena e de Munique. Retrato de Odele Bloch-Bauer foi vendida para Neue Gallery de Nova York por US$135 000 000O.

Marcel Duchamp (1887-1968) Paradise Adam and Eve (1910) Philadelphia Museum of Art, Filadelfia. Nasceu em Blainville-Crevon. Iniciou sua carreira como pintor influenciado pelo Impressionismo, Expressionismo e Surrealismo. Ligou-se ao Dadaísmo. É considerado o criador da arte contemporânea e do ready-made. Trabalhou em Paris e Nova York.

Fernando Botero (1932-) Adam and Eve (2005) Nasceu em Medelin, Colômbia. Influenciado pela arte pré colombiana e por Diego Rivera. Estudou na Academia de San Marco, Florença. Sua obra tem forte conteudo de crítica social e caracteriza-se pelas figuras obesas. Pintor e escultor.

Damien Hirst (1965-) É o maior artista britânico contemporâneo. Foi aluno da Goldsmith College e pertenceu ao grupo Young British Artists, que trouxe para Londres o centro da arte contemporânea. Seu tema preferido é a morte. Pinturas, objetos, desenhos, esculturas e instalações são seus meios prediletos. Adam and Eve Expossed (1965) Duas macas, cada uma contendo um corpo coberto e alguns instrumentos cirúrgicos. Coleção particular. Sua fortuna está estimada em 260 milhões de euros.

Sugestões: The Loss of Sexual Innocense _ Filme dirigido por Mike Figgs,1999.

Klimt _ Taschen, 2008.

Gerson Reichert Uma Homenagem

2012-02-25T11:21:00.000-02:00

Gerson Reichert

Conheci os trabalhos de Gerson Reichert quando entrevistei seu colega Túlio Pinto, convidei-o a participar de Conversando sobre Arte, ele aceitou, depois pediu para adiar. Mais adiante, um novo prazo foi solicitado em razão de trabalho. Infelizmente não foi realizada, mas fica o registro da beleza de sua obra e a gentileza do contato virtual.Gerson faleceu dia 22/02 último em Porto Alegre.

O artista plástico porto-alegrense Gerson Reichert apropria-se de superfícies já contaminadas para fazer verter desse universo gráfico sua arte. Reichert desenvolve a partir de intervenções com pinceladas espessas de tinta a óleo, acrílico, pigmentos diversos e caneta hidrográfica, um amplo diálogo entre palavra, imagem e gesto resultando em novas narrativas e ressignificações das linguagens artísticas. Apropriado de Intervenções.com

Diálogos ampliados com Carlos Graf (2009)

Diálogos ampliados com Carlos Graf

Diálogos ampliados (2009) com Carlos Graf.

Intervenção sobre revista Humboldt 99

Intervenção sobre revista Humboldt 91

Óleo sobre papel (2007) 226x400 cm.

Óleo sobre tela.

Óleo sobre tela 159x143 cm

Guache e acrílica

Galeria Gestual (2010)

Atelîer

Superfícies Dinâmicas (2006) Óleo sobre tela 130x145 cm

Convites

http://gersonreichert.blogspot.com

Adriana Molder Os Retratos

2012-02-24T09:33:00.000-02:00

Adriana Molder (1975-) Nasceu em Lisboa. Seu pai Jorge é artista plástico e a mãe filósofa. Teve formação no Curso de Realização Plástica do Espetáculo, Escola Superior do Teatro e no Curso de Desenho Avançado Plástico e Projeto Individual, Escola de Arte e Comunicação (AR.CO). Vive e trabalha em Berlim. Sua obra engloba desenho, pintura, fotografia e vídeo. Várias exposições em importantes museus e coleções da Europa. Fez Residência artística em Betharein. Em 2003, foi indicada como a revelação do ano com o Prêmio CELPA/Vieira da Silva. Em 2007, recebeu o Prêmio Hebert Zapp como a melhor artista jovem. A maioria dos trabalhos de Adriana é de grande formato e realizado com nanquim, grafite e acrílica sobre papel esquisso. Sobre o papel ela comenta não ser ele preparado para receber água e em contato com ela cria acidentes incorporados ao trabalho. A artista retrata figuras públicas, assassinos e personagens de livros e filmes..

Adriana Molder exposição.

Série A Madrugada de Willelmm e Leopold (2004-2006) Tinta da China sobre papel 220x200 cm.

Um Fantasma e Duas Sombras II (2010) Grafite sobre impressão UV em papel esquisso 91x68 cm.

Vieira da Silva

Galeria Presença, Porto

Distanz (2011) Galeria Arauna

Série Câmara de Gelo Man (2001) Tinta da China sobre papel 200x300 cm. The Berardo Collection.

Série Câmara de Gelo Woman (2001) Tinta de China sobre papel 200x300 cm. The Bernardo Collection.

Fake Francisco Vidal (2007) Mural 200x180 cm. Galeria Graça Brandão.

Série: The Passenger A Miuda (2008) Tinta da China sobre papel esquisso 220x200 cm Vera Cortês Agênca de Arte.

Skin Job (2005) Galeria do Mosteiro.

Série Noite sem Fim (2005) Coleção Banco do Espírito Santo

Kim Novak

Visita guiada Instituto Moreira Sales Rio

2012-02-24T08:52:00.002-02:00

Conversando sobre Arte Entrevistada Marylu Melo

2012-02-23T07:47:00.001-02:00

Marylu Melo diante de uma de suas pinturas.

Marylu nascida em Fortaleza é pintora autodidata. Vive e trabalha em Florença e tem em seu currículo exposições em diferentes países europeus. Ao agradecer sua entrevista, fazemos votos para vê-la em breve no Brasil.

LA FELICITà NON è UNA META DI ARRIVO,
MA UN MODO DI VIAGGIARE.

MARYLU MELO

Marylu, conte um pouco sobre sua vida pessoal

Sou neta de Juiz de Direito, de fazendeiros do setor de gado de leite e carnaúba e filha de comerciantes da área da cosmética e beleza. Nasci em Fortaleza e fui criada no bairro da Aldeota, onde vivi em um dos belos casarões da Avenida Barão de Studart. Sempre estudei em colégio de freiras, e recebi uma educação rígida e religiosa.

Como a Arte entrou em sua vida?

De 1997 a 2001 residi em Toronto - Canadá, devido aos estudos dos meus dois filhos. Naquele período tive a possibilidade de assimilar a harmônica diversidade étnica existente no País. Após anos de experiência de vida em terras Canadenses, mudei-me para a Europa, com a determinação de vivenciar in loco a bela cultura do velho mundo. Eu acho que nessa ocasião, na junção do novo com o velho, a arte tenha aflorado em minha vida.

Qual foi sua formação artística?

Sou uma artista autodidata e não possuo nenhuma formação acadêmica. Minha carreira não nasceu pelo impulso condicionado a partir do estudo sistemático de grandes mestres, mas da necessidade de expressar-me de maneira absolutamente livre. Utilizo materiais próximos do cotidiano como tela, madeira, papel, entre outros.

Que artistas influenciam seu pensamento?

Nenhum. O meu cotidiano, o meu dia a dia, o contato com as pessoas, os sentimentos, as cores, a natureza, os lugares por onde eu passo durante as minhas viagens, influenciam o meu pensamento, e consequentemente as minhas pinturas.

Você escreve sobre seu trabalho?

Não. Cada tela minha fala por si.

Você vive e trabalha em Florença, qual a importância disso em seu trabalho?

Florença é cidade de arte, onde a beleza está em casa - cerca de um décimo do patrimônio artístico nacional está concentrado aqui. Mas não existe nenhuma relação direta entre Florença e o meu trabalho.

Quais foram suas principais exposições?

A minha primeira exposição individual na Galeria Acaiaca de Curitiba foi muito importante.Outras coletivas que me marcaram muito foram: Museu do Louvre em Paris, Cultuurpark Westergasfabriek em Amsterdã e Françoise Calcagno Art Studio em Veneza, pois os convites foram feitos por curadores importantes.

Você tem planos de mostrar seu trabalho no Brasil?

Já fiz exposições em Curitiba e São Paulo, e para mim é sempre uma honra poder expor no meu País.

Qual a sua opinião da Bienal de Veneza?

A Bienal de Veneza é um importante fórum para a divulgação e discussão sobre o atual estado da arte, e uma oportunidade única à artistas emergentes convidados.

Quais são seus planos para o futuro?

Mais do que planos, eu tenho alguns desejos para o futuro. Principalmente igualdade para todos e menos hipocrisia no setor da arte.

O que você faz nas horas vagas?

Viajo muito com o meu marido e observo o mundo com um olhar crítico e maravilhado.

Conversando sobre Arte Entrevistado Luiz Silveira Arte Digital

2012-02-22T10:01:00.000-02:00

Luiz Silveira

Luiz Silveira sempre enteve envolvido com arte, de início a música, passou pela pintura e gravura e dedica-se nos últimos anos à Arte Digital. Faz um enorme esforço para divulgá-la. O artista vive e trabalha em Florianópolis, Santa Catarina. Obrigado Luiz.

História pessoal, trajetória, influências, trabalhos e planos

Comecei estudar música com dez anos de idade e arte com quinze em Pôrto Alegre. Aos dezoito anos, fui para o Rio estudar pontilismo com Ivan Serpa e Bruno Tausz na Lagôa – frequentei um atelier de cerâmica com uma francesa por dois anos também. Mais tarde, fui para Munique estudar arte e alemão. Ao chegar, me deparei com uma exposição itinerante dos surrealistas na Haus Der Kunst e isto mudou a minha relação com arte. Na Alemanha, fiz workshops, frequentei alguns estudios e voltei ao Brasil para me envolver mais com música, comecei estudar flautas transversal e barrocas com Edmund Haas. Mas foi violoncelo o instrumento que ficou, estudei com Gretchen Muller alguns anos, depois com Sigmunt Kubala e toquei em algumas orquestras. Criei um trio de cordas, Trio Nicolai, e tocavamos em lugares chiques das alamedas em São Paulo. Fomos o primeiro grupo de música erudita a tocar em lugares menos ortodóxos. A seguir, criei um quinteto, Oficina de Concertos, e tocávamos todos os dias no restaurante do subsolo do MASP por cinco anos. É claro que o fato de estar no MASP todos os dias vendo o que se vê até hoje neste tabernáculo das artes, me catapultou de volta à arte. Comecei frequentar o atelier de Fajardo em São Paulo, fiz Impressões serigráficas em tecidos também. São Paulo ficou muito perigoso e, em 89 mudei para Florianópolis, logo ao chegar fui a casa de um amigo e ví a filha dele desenhando no computador, no outro dia comprei um para mim e não parei mais de fazer arte. Ainda toco flautas barrocas até hoje.

Acho que fui mais influenciado por movimentos do que por artistas – em música costumo dizer que gosto de qualquer tipo desde que seja bem executado, igualmente na arte. Minha última descoberta: o cubismo.

Meu trabalho, eu descreveria como foto texturização 3D, gosto de cores fortes e alegres. Faço minhas fotos e texturas e misturo tudo – meus trabalhos passam por uma linha de programas até ficarem prontos, o último retoque é a cor e isto me toma algum tempo. Meus motivos são bem variados com algumas preferência para retratos e cenas de rua - a cidade de Florianópolis me propicia muitos motivos como as pontes, o casario e natureza. Faço retratos ha alguns anos e recentemente criei um blog para explorar esta minha arte: http://artandportraits.blogspot.com/ Estou entrando para meu terceiro ano no flickr.com: http://www.flickr.com/photos/lukahak2010/ e tenho que admitir que este site deu um grande boost no meu trabalho e conhecimento de arte digital. Tenho 1.500 trabalhos publicados, criei seis grupos de diferentes estilos de arte digital:

http://www.flickr.com/groups/abc-digital/

http://www.flickr.com/groups/d-g-x-treme/

http://www.flickr.com/groups/d-g-art/

http://www.flickr.com/groups/photoart-digital/

http://www.flickr.com/groups/digital_face_of_art/

Um somente de arte com letras e símbolos: http://www.flickr.com/groups/the_letter_art/

Um grupo no Facebook que é irmão de um grupo do Flickr – são trabalhos selecionados de meus grupos do Flickr para serem publicados no Face: http://www.facebook.com/Digital.FACE.of.ART

Gosto muito de administrar estes grupos pois alem de mostra meus trabalhos tenho uma boa ideia do tipo de arte digital que as pessoas fazem no mundo inteiro.

Quando cheguei a Florianópolis a internet chegou junto. Lembro dos primeiros números da revista .net de onde tirei meus primeiros endereços sobre artedigital, tanto arte em sí quanto os aplicativos da época. Eram .orgs que deixavam você baixar os pacotes gratuitamente: .pov “Persistence Of Vision”. Era um pacote de aplicativos entre eles um modelador e um renderizador. Modelava-se os trabalhos, escolhia-se as texturas (madeira, metal, vidro e outras) e se levava para o renderizador que as vezes levava horas para terminar o trabalho. Os POVs eram 3D e foi dai que veio minha relação com os 3Ds. Comprei um aplicativo de fazer logomarcas 3D, fazia uma letra grande texturizava e torcia, este aplicativo tinha uma prancheta que permitiam você desenhar coisas e renderiza-las e assim começaram meus trabalhos.

Um dos primeiros: http://www.flickr.com/photos/lukahak2010/5132604886/in/photostream/

Depois comprei minha camara digital e tudo se transformou, pois conseguia fotografar meus motivos preferidos texturizá-los e aplicar outros efeitos especiais assim como o finishing da cor até a arte final.

Como tenho trabalhado muito nos últimos anos meu plano é mostrar e divulgar mais meu trabalho este ano. Tudo é visto na internet, e arte igualmente, é por esta via que as pessoas visitam museus, sites de artistas, leilões de arte e fazem suas compras. Apesar de ter entendido isto quando entrei para o Flickr.com

não tem sido fácil o caminho. Tenho tido algumas surpresas quanto ao gosto das pessoas e isto me sugere muitos motivos – o interessante da interação e troca de informação no flickr é você entender como outros artistas e pessoas veem o seu trabalho. Certamente isto é transformador.

Hummer

Blue Velvet Gata Dada

Bridge Graffits

Reflexe Revisited

My Window the Sea and the City.

Street Market

Just Passing

Art Love

Andy Warhol

Mark Dion

2012-02-21T08:25:00.000-02:00

Mark Dion

Baby Elephant Oakland Museum, California.

Mobile Ranger Library (2008)

Toys 'R'. U.S' Série When Dinosaurs Ruled the Earth (1995) Skarstedt Fine Art.

Plastic Guns Christo.

The Curiosity Shop (2005) Tanya Bonak Gallery.

The Curiosity Shop (2005) Vista interna.

Tate Collection Dig (2001) É o seu trabalho mais importante. Com um grupo de colaboradores recolheu o lixo do rio Tâmisa em frene a Tate Gallery e construiu dois moveis para mostra os achados.

Polar Bear and Toucans from Amazon to Svolbard (1999) Tania Banak Gallery

Providence Cabinet (2001)

The Collector (2003)

American Politcs (2004) Galerie Christian Nagel.

Hornbill Oakland Museum, California

Litogravura.

Scala Naturae

Mark Dion (1961-) Artista americano. Escultura e instalações. Graduou-se e recebeu o Doutorado Honorário da University of Hartford School. Estudou, ainda, na School of Visual Art, Nova York e no programa independente do Whitney Musum of American Art, Nova York. Usa noções científicas em suas instalações. Sua obra engloba as fronteiras entre história natural, a ciência e a arte e captura a representação cultural da natureza. É professor da Columbia University. Recebeu o Laury Aldrich Foundation Art Award. Exposições em grandes museus, entre eles MoMA, Nova York e Tate Gallery, Londres.Vive e trabalha em Nova York e Pensilvânia.

Mark Dion _ Phaidon, 1997.

Paulo Bruscky Arte Experimental

2012-02-20T09:03:00.001-02:00

Paulo Bruscky e o seu colaborador Daniel Santiago em Artistas Limpos e Desinfetados (1984)

Paulo Bruscky (1949-) Nasceu em Recife, onde vive e trabalha. Desenho, pintura, fotografia, objeto,instalação, happening, performance, livro de artista, intervenções urbanas, arte postal, poesia visual, filmes e vídeos são utlizados por ele para realizar sua obra experimental crítica e política. Em 1984, recebeu bolsa do Guggenheim e passou um ano em Nova York. Participou das Bienais de São Paulo, Havana e do MercoSul. Durante vinte anos, trabalhou em conjunto com Daniel Santiago. Bruscky foi influenciado pelo Fluxus, Dadaísmo e Surrealismo. Muitas de suas obras são efêmeras construídas de xerox, cópias mimeografadas etc.restando apenas registros. A obra é gigantesca em qualidade e tamanho e, as poucas imagens aqui apresentads dão uma pálida idéia do que foi construído por ele. Sugiro, para os querem aprofundar-se na obra do artista, o livro de Cristina Freire _ Paulo Bruscky Arte, Arquivo e Utopia _ São Paulo: 2006. O artista é representado pela Galeria Nara Roesler, São Paulo.

Livro de Ar

Livro Objeto (1993)

Intersigne VIII Técnica mista.

Arte postal

Título de eleitor cancelado (1980)

Série Postes (1978)

Série Postes (1978) Detalhe.

The eyes are responsibles for it you sees.

Partituras (1982) Fotografia em papel. Coleção do artista.

O olhar dos críticos de arte.

Geminis (1994).

Poemas Visuais

Pega Varetas

Boa Noite (2009)

Silence Homage to John Cage (1993) MAMAM, Recife Foto Bruno Laprovitera.

Convite