Plataformas: http://whathesound.wix.com/whathesoundoyousee
Quem é Marcelo Armani?
Nasci em outubro de
1978 em Carlos Barbosa, interior do Rio Grande do Sul. Ainda na minha infância
vivi em Caxias do Sul e posteriormente Encantado, cidade onde passava meus dias
na escola rural e acompanhava meus pais na roça em tarefas de plantio, colheita
e cuidado com os animais. Quando tinha sete anos nos mudamos para Canoas região
metropolitana de Porto Alegre. Nessa cidade cresci jogando futebol em terrenos
baldios, praticando skate após asfaltarem a maioria das ruas e comecei a tocar
bateria. Sou artista sonoro e músico improvisador eletroacústico.
Como a arte entrou em sua vida?
Sinais e práticas artísticas
sempre me cercaram de alguma maneira, mesmo que por métodos mais empíricos ou
discretos. Percebo a “arte” no cotidiano, no contato que tenho com cruzamentos
e afazeres diários. Por isso vejo essas situações ocorrendo em lugares distantes
daqueles onde supostamente há e se faz “arte”.
Meus primeiros contatos foram com
questões sonoras. Meu avô tocava sanfona e bateria e minha infância foi muito
marcada por isso. Ele sempre tocava quando estava conosco. Algum tempo depois
nos mudamos para Caxias do Sul, pois meu pai conseguiu um emprego em uma
metalúrgica. Minha mãe trabalhava como costureira em casa e as notas da máquina
de costura se misturavam aos sons de cantores e cantoras vindos do vinil. Ainda
nos anos 80 meus pais se mudaram para Encantado para trabalhar na roça. Tempos
depois fomos para Canoas e as apreciações que fazia do universo visual e sonoro
do meio rural ao subir no telhado dos galpões onde guardávamos os grãos ou
admirar as tempestades que se aproximavam no campo, deram lugar a uma atmosfera
urbana e intensa. Esses novos sons permearam minhas percepções. Havia outro
ritmo nas escadas rolantes, nas avenidas e ruas, no abrir e fechar das portas
do metrô e no movimento que esse fazia durante o seu deslocamento pelos
trilhos.
Saímos do interior do Rio Grande
do Sul em função da doença de minha mãe e pelo convite que meu tio materno fez
aos meus pais para trabalharem na indústria metalúrgica dele. Meses depois fui
matriculado em uma escola de doutrina religiosa diferente da escola rural que
havia frequentado. Padres e orações substituíam as aulas de educação física uma
vez por mês. Não era um aluno aplicado, bem na verdade, não gostava da escola e
sempre encontrava uma forma de “ter” uma dor de barriga ou simplesmente “esquecer”
o caminho entre a casa e o colégio. Por um tempo o transporte escolar me levava
até a escola pela manhã e no início da tarde me deixava na empresa de meu tio
com meus pais. Lembro que foi com o motorista dessa “Kombi Escolar” que
descobri bandas nacionais e internacionais de rock e metal. Recordo quando ele
instalou o sistema de som para ouvir fitas cassete durante os trajetos. Ele
acabou assumindo o papel de irmão mais velho, dando dicas e contando histórias
desses grupos. Por fim me presenteou com um vinil que tenho até hoje.
O meu segundo turno “musical e
plástico” acontecia na indústria de meu tio. As máquinas me fascinavam. Sons e
imagens. Fumaças e vapores. A transformação dos materiais. Processos manuais e
mecânicos. Ferramentas. A organização do ambiente. Máquinas eram grandes
instrumentos plásticos e sonoros que construíam continuamente uma composição
cheia de plasticidades. Resquícios da matéria que se deslocavam pela arquitetura
acústica do pavilhão. Creio que foram meus primeiros contatos com aspectos
presentes na arte sonora e exemplificados na frase de Murray Schafer:
“Não possuímos pálpebras nos ouvidos. Estamos
condenados a escutar”.
Alguns conceitos e poéticas surgem
da doença de minha mãe. Exames. Intervenções cirúrgicas. Patologias. Aderências.
Cortes. Rituais. Toalhas e panos brancos. Estátuas em vários altares. Relações
e discursos que nos atavam pela esperança concedida aos objetos. O invisível.
Vi pessoas que dançavam, bebiam e fumavam ritmadas pelo toque de tambores.
Alguns gritavam, articulando palavras desconhecidas. Banhos de ervas e sal
grosso. Círculos de pólvora. Desenhos feitos por xis branco. Animais e velas. Abundância
dos vermelhos. Passaram-se doze anos até que a última intervenção cirúrgica por
uma equipe médica com mais de oito profissionais materializou a dita
“esperança” em minha mãe e a mim gerou constantes questionamentos quanto à
crença na palavra ou nos atos dos homens, aproximando-me cada vez mais de objetos
inanimados.
Passada essa fase, meus pais
começaram um empreendimento próprio. Uma pequena metalúrgica que para mim foi a
possibilidade de ocupar o meu turno matinal não mais com os comportamentos e
padrões da escola e sim apreendendo a trabalhar com máquinas e processos
industriais. Aos 14 anos, ganhei uma bateria e comecei a tocar em grupos de
música experimental, post-punk e post-rock. No início, ensaiávamos em um galpão
nos fundos de casa que ficava no mesmo terreno da metalúrgica de meus pais e
anos depois passamos a ensaiar em Esteio na casa de um dos integrantes.
Em 2007, meu interesse por
sonoridades abstratas se intensificou. Mergulhei na captura e no tratamento de
material sonoro através de softwares e equipamentos de registros. Captações que
envolviam distintos processos de microfonação. Aprofundei minhas pesquisas
através dos trabalhos de John Cage, Marcel Duchamp, Steve Reich, Pierre
Schaeffer e Delia Derbyshire, explorando
os caminhos do ready made, da música eletroacústica e concreta. Em 2009 lançava
meu primeiro trabalho solo. Também tive trabalhos editados por selos
independentes da Argentina, Chile, México, Venezuela, Brasil e atualmente sou
representado pela gravadora Luscinia Discos de Granada, Espanha. Até então
atuava apenas na música experimental, articulando pelos campos da improvisação,
da música eletroacústica e concreta. Porém em 2011 fiz uma oficina em Buenos
Aires cujo caminho me levou até a arte sonora.
Qual foi sua formação artística?
Apesar de frequentar algumas faculdades a minha
formação em artes é autodidata. Desde criança me inclinei a relações intimistas,
estabelecendo laços com objetos como uma forma de “animá-los”. Alguns deles
adquirem aspectos humanizados em meus conceitos. Posso falar com eles e ouvir o
que dizem (rs).
Do
meu período escolar lembro muito pouco. Acho que desenvolvi uma barreira com
essa época. Lembro-me da escola rural que frequentei, mais por momentos ligados
à cachoeira que podia ver da janela, do lanche da tarde e das tantas matérias
incompreensíveis que havia nas divisões do quadro negro, pois as turmas eram
misturadas e os anos escolares eram divididos pela fileira de classes. Dessa
forma, eu sempre bisbilhotava (quando não copiava) as matérias de outros anos
subsequentes. Adorava os 3 km que percorria a pé de minha casa até essa escola.
Sempre inventava histórias e contos em minha mente até chegar ao destino. Já o
período escolar de minha adolescência não me é tão presente. Lembro mais das
festas juninas, dos jogos de futebol e dos boletins que meus pais deviam
assinar (rs).
Creio que a escola nunca me
provocou ou, quem sabe, não gerou questionamentos mais aprofundados. Era um ato
de decorar datas, fatos, técnicas e depois aplicá-las no papel. Em uma aula de
literatura na qual deveríamos ler um determinado livro e depois apresentá-lo à
classe, lembro que minha apresentação foi interrompida pelo sinal do final
daquele período e deveria continuá-la no próximo encontro. Fato é que li apenas
algumas páginas do final do livro e assim o apresentei. Meus colegas nem se
lembravam do conto e, assim fizeram poucas perguntas e voltei à classe com uma
nota acima da média.
Anos
mais tarde, retomei os estudos, por certa aposta em frequentar um ensino
superior. Concluí o ensino médio por supletivo aos 22 anos. Cursei licenciatura
em Música, mas acabei desistindo do curso em função da limitação que sentia em
relação a outros processos não tão “musicais”, afinal aquela era uma faculdade
de música. Em minha opinião a faculdade de Engenharia Mecânica era mais musical
que a própria licenciatura. E assim, segui alguns anos pela engenharia. Em abril
de 2011 participei de oficinas dentro da programação do Festival de Arte Sonora
TSONAMI em Buenos Aires na Argentina com dois artistas mexicanos. Um deles
Manuel Rocha, artista sonoro e outro Rodrigo Sigal, músico eletroacústico.
Essas duas oficinas foram o divisor de águas em meu caminho. Já no avião quando
voltava para o Brasil pensava em um projeto de instalação que posteriormente se
chamaria tranS(obre)por projeto esse
que apresentei pela primeira vez em julho de 2011 e no final do ano foi
selecionado no SPA das Artes na categoria exposição MAMAM no Pátio. Aqui
compreendi o que estava fazendo, pois pela ótica da música “produzia barulhos”
e aos ouvidos das artes plásticas “produzo universos táteis por outros sentidos”.
No final desse ano de 2011 decidi abandonar a faculdade de engenharia pela
UFRGS e realmente me dedicar àquilo que me completava.
Por
um tempo pensei em cursar artes visuais, mas passar quatro anos dentro da
academia para “aprender a acertar” a partir dos meus “erros” não me pareceu uma
boa ideia. Prefiro explorar essas situações em minhas vivências. Deixar os
erros a mostra não me preocupa. Gosto de vê-los em meu trabalho porque eles
assumem os gestos que há em mim. Essa constante do processo. Apesar disso tenho
contato com artistas de dentro e fora da academia com os quais troco ideias,
bebo uma cervejinha e peço dicas de livros. Em 2009 fundei com outros três
amigos e artistas um grupo de arte performance intitulado Tentacle Ensemble
Colective. Um grupo com o qual cresci e tive a oportunidade de criar, agregar e
experimentar transversalidades entre vídeo arte, action painting, instalação e
arte sonora tudo amalgamado pela performance. Acredito muito nesses laços,
independentemente do tempo que eles durem. Acho que podemos viver uma vida de
experiências em questão de segundos. E também quando decidi fazer da minha vida
uma extensão de minha relação com as artes não tive muita paciência para me
preparar para a disputa de uma vaga em uma universidade e me deparar com todos
os padrões novamente... Acredito que seria mais um curso a contar em minha estatística
de abandono (rs).
Vejo
minha formação muito mais dessa maneira. Colocando em prática concepções que estabeleço
em função daquilo que vivencio, de algo que me provoca e por consequência propague
questionamentos sejam eles de ordem íntima ou coletiva. É desse ponto que
desenvolvo minha técnica e linguagem para driblar obstáculos e compor meus
projetos. Influenciado pela felicidade e pelo bem estar que tal pesquisa me proporciona.
Que artistas influenciam em sua obra?
Constantemente descubro ou redescubro poéticas
presentes na obra de artistas que admiro. Entre esses posso citar Chelpa Ferro,
Nervo Óptico, John Cage, Marcel Duchamp, Cildo Meireles, Cao Fei, Sergey Prokofiev, Nuno Ramos, Norberto Nicola, Kandinsky, Brain Eno, Baudelaire, Rolf
Julius, Russolo, Lorca, Fred Frith, Úrsula Bogner, Giacometti, Van Goh, Pierre
Scheaffer, Paulo Bruscky, Pierre Henry, Steve Reich, La Monte Young, Mauricio
Cattelan, Walter Karwatzki,
Kátia Costa, Grupo Zero, Kentridge, Manuel Rio Branco, Francisco
Lopes, Santiago Cao, Christine Renaudat, Rafael Marchetti e Rachel Rosalen,
Sonic Youth, Fugazi, Mogway, Brusky, Thelmo Cristovam, Delia Derbyshire, Eliane
Radigue... E tem pessoas que divido muitas fases importantes de minha vida.
Essas me trouxeram até aqui e estão presentes e meu trabalho Jurema Armani,
Augusto Armani, Liane Strapazzon, Fernando Perales, Guilherme Darisbo, Emiliano
Hernandez, Sarah Vacher, Paulo Vivacqua, Luciano Zanette, Túlio Pinto, Carlos
Suarez, Mário Macilau e Daniel Toca.
Como você descreve seu trabalho?
“Observador, filósofo, flâneur – chame-o
como quiser... a multidão é o seu elemento, como o ar é o das aves, como a
água, o dos peixes. Sua paixão e sua profissão é esposar a multidão. Para o
perfeito flâneur, para o espectador apaixonado, é uma imensa alegria
estabelecer residência na multidão, no ondulante, no movimento, no fugido e no
infinito”, Charles Baudelaire.
Sou movido mais por “coordenadas
intuitivas” que propriamente por aspectos puramente racionais. Vagar por entre
o trânsito da multidão, pelas lacunas que se formam no momento em que o
cotidiano se desloca de um lado para o outro. Crio a partir de objetos e
vivencias simples/corriqueiras. Exploro tanto a arquitetura quanto questões pertinentes
ao espaço em que exponho. Gosto quando meu trabalho constrói esse acesso entre o
espaço e os “sussurros” históricos suspensos nesses locais.
“{...}
Marcell Duchamp, por exemplo, começou a pensar sobre o tempo, quero dizer,
pensando sobre a música, não sendo uma arte do tempo, mas uma arte do espaço. E
assim criou uma peça intitulada: "sculpture musicale", que significa
diferentes sons vindos de diferentes lugares e perdurando. Produzindo uma
escultura, que é sonora e permanece. {...}". : http://www.youtube.com/watch?v=U7O0VXzbV2Y
O “tempo”, a transubstanciação de
objetos, a espacialidade e a plasticidade sonora são elementos recorrentes em
meus trabalhos. Quando desenvolvo uma instalação a estrutura visual tem uma
relação direta com as peças sonoras que são compostas. Atribuo a essas obras
características e qualidades próximas ao humano. Em alguns casos a cor
representa ausência, translucidez da matéria ou semelhanças ao sanguíneo. Os
objetos geralmente carregam um espaço físico da memória, o desapego, o
abandono, um tempo deslocado ou estático. Porém, não consigo ver essas
estruturas separadas do material sonoro. Tenho-as como uma escultura, onde as
peças sonoras são responsáveis em dar voz a esses objetos e, dessa maneira, já
não vejo as qualidades industriais da matéria, mas sim alguém, um ser que expõe
suas entidades sensitivas, provocando a percepção daqueles que interagem com
elas.
Entendo
a música como a manifestação em série de eventos visíveis e ocultos. Uma porção
que se articula pelo espaço marcando, definindo e mapeando aspectos
antropológicos de um tempo. Esse conceito vai além do mero sistema atrativo
inserido na sociedade pelos conglomerados do espetáculo. Sons e ruídos são elementos
que assumem uma identidade, que materializam gestos. Quando compreendi isso não
apenas como uma possibilidade musical entrava na arte sonora. Aqui encontrei uma
maneira bastante flexível para transitar livremente entre a composição e as
distintas linguagens das artes plásticas. Posso amalgamar aspectos e elementos
da fotografia, desenho, escultura, pintura, desenvolvendo esses na performance,
intervenções e sobre tudo em instalações sonoras. Vejo a arte sonora como um
local onde as questões do mercado fonográfico não podem entrar e tão pouco
explorar os conceitos e poéticas dessa arte da forma comercial e vazia como o
fazem, lançando diariamente novos “artistas” e “compositores” para abrir
grandes espetáculos esportivos ou determinar meras tendências sob o discurso da
“renovação” na cultura musical.
A
arte sonora tem por base conceitos da partícula sonora. As possibilidades de
reconfigurar essa pequena parte e gerar universos múltiplos. Nela se forjam
ruídos, captações de campo, estruturas visuais, pesquisas com sons
sintetizados, manipulações, estruturas enarmônicas, cacofonias, espacialidade, plasticidade
sônica. A obra acontece em um espaço expositivo, em ambientes externos, agora
mesmo ocorrem obras sonoras no ambiente em que estamos inseridos. Creio que a
arte sonora abre outras possibilidades de escuta do ambiente e da relação que
estabelecemos com a própria música. Aprofundando nossa apreciação a essas
tantas sonoridades a um estado não apenas auditivo, mas visual, físico e tátil.
Por isso meu foco até hoje é proporcionar uma aproximação do público mais leigo
a essas expressões a que estou familiarizado. Uma instalação sonora abre a possibilidade
de um concerto que se estende pelo tempo, interagindo com outros processos, estabelecendo
contato com mais pessoas.
É possível viver de arte no Brasil?
Acho
possível. Requer muito esforço e trabalho. A denominação “artista” é uma
palavra imponente, bonita, mas ninguém compreende o que é de fato. Os
conglomerados fonográficos e a mídia despejam essa denominação aos milhares
porta a fora. Programas medíocres de finais de semana ou em horários “nobres”
criam “artistas” da mesma maneira que Henry Ford o fez com seus produtos. No
meio de todo esse desperdício de energia surge a fama e o dinheiro. Então
pessoas simples associam a denominação “artista” a essas duas condições,
portanto tal trabalho passa a ser “arte” e sinônimo de uma vida de “abundâncias”.
Mas viver da outra forma
artística é abundantemente difícil no Brasil. Eu consigo sobreviver dela,
trabalhando muito mais que em um emprego “tradicional” e no final de todo esse
trabalho surge uma obra que expõe de forma visceral as minhas reflexões, minhas
dores e vivencias. E o que ouço é: “mas o que é mesmo que o teu filho faz?”. “Ah!
que bom então ele viaja bastante e conhece outros lugares”. “Será que daria
para baixar um pouco esse barulho?”.
Em fim, apesar das dificuldades,
sou muito feliz, fazendo desse trabalho a minha vida. Até o momento consigo
sobreviver orientado por planilhas de gastos (rs), por meus projetos e com uma
ajudinha de meus pais vez ou outra. E também não me vejo em outro trabalho
“seguro”, onde meu emprego depende diretamente do aquecimento do mercado de
automóveis ou de crises que possam surgir nas indústrias do petróleo ou da
aposentadoria fictícia oferecida em meus 60 e tantos anos. A minha arte não é
criada para ser exposta em uma vitrine ou empilhada entre inúmeros CDs de uma
música escrita por sei lá quem, produzida pelo fulano de tal, gerenciada por um
qualquer, entregue às mãos de meia dúzia que dizem como devo agir, onde devo
ir, com quem devo me relacionar, que tipo de “artista” devo representar agora.
Minha arte não, essa vive pela eternidade daqueles que a vivem. Ela é que me
torna consciente, me faz errar e concertar. Dessa arte sim eu vivo de uma forma
modesta, honesta, tomando minhas próprias decisões e traçando o meu caminho.
O que você pensa sobre os salões de
arte? Alguma sugestão para aprimorá-los?
Ultimamente esse tem sido um tema
bem complicado. Primeiramente, creio que os salões são formados por pessoas
como quaisquer outras, repletas de erros e acertos. No meio desses caminhos
sempre ocorrem fatos desagradáveis, mas acho que assumir esse erro e concertá-lo
de forma limpa e sincera é um primeiro passo, pois salões e artistas são
basicamente um ser só. Andam, ou deveriam andar juntos. Entretanto, o que vejo
acontecer por ai são salões que recebem aporte financeiro de instituições
privadas ou por meio de seleção em editais públicos. Infelizmente, em alguns
casos esse recurso é destinado exclusivamente para o gasto de divulgação e
afins do próprio salão. Não há um prólabore artístico, uma divisão igualitária
àqueles que participam ou que são selecionados nesse salão. Do contrário, são
oferecidos o espaço e a divulgação, ou seja, em minha opinião, o artista ganha um
pepino para descascar. Em muitos casos até há uma premiação ou um valor “x”
que, sabe-se lá o porquê, esse valor não chega às mãos dos artistas.
Eu mesmo
em 2012 passei por uma dessas. Fui selecionado para uma dita Bienal no
Recôncavo baiano que era mais um salão de arte que ocorre em uma fábrica de
charutos da região. Descobri o resultado pelo google. Não fui contatado nem por
e-mail, telefone, carta, telegrama ou sinal de fumaça. Arquei com meus gastos,
pois isso constava no edital. O diretor era uma figura excêntrica cercado de
pompas. Tivemos um choque pela ignorância dele em relação ao meu trabalho, que
bem na verdade o sentimento que lhe faltou foi respeito. No dia da abertura
consegui entrar no local para ligar os meus equipamentos porque um dos
eletricistas abriu uma porta lateral, pois o diretor havia “estabelecido” que
não queria ver ninguém dentro do local no dia da abertura a não ser os funcionários,
artistas nem pensar. Durante o período de exposição que foi de novembro de 2012
a março de 2013 o único contato que recebi foi um telefonema do diretor me
perguntando sobre o nome do título e do escritor de um livro que lia na ocasião
da montagem. O meu trabalho e meus equipamentos jamais retornaram a minha
posse. Não assinei nenhum contrato dizendo que doaria essa obra para acervo e
outros fins. Tentei me comunicar de muitas formas com eles, mas nada, inclusive
havia um recado na página da bienal dizendo que os materiais seriam entregues
até tal data. Estou até hoje esperando chegar em minha casa um pacote, vindo
daquela cidade do Recôncavo situada em uma das margens do rio Paraguaçu.
Isso
tudo demonstra que o necessário para aprimorar um salão é ter o mínimo de
respeito com aqueles com que você irá trabalhar. Ter o mínimo de noção ou de
informação sobre esse indivíduo. É muito bonito ver o resultado em um catálogo
bem impresso, colorido, mas na boa não compro 1Kg de feijão com as folhas desse
catálogo, mesmo nelas constando o logo de importantes empresas locais,
inclusive o mercado ou o produtor desse feijão que preciso comprar.
Qual sua opinião sobre o mercado de
arte em Canoas/Porto Alegre?
Canoas
sempre foi encarada como uma cidade dormitório em função da proximidade com
Porto Alegre. Porém, aqui existem grandes empresas do setor alimentício, metal
mecânico, agrário e uma refinaria de petróleo sem falar na base aérea que lança
seus caças pelos ares. Acredito que a proximidade com a capital e a falta de
iniciativa de antigos gestores públicos ofuscou o investimento no setor
cultural daqui.
De alguns anos pra cá me parece
que esse cenário tem mudado. Surgiram investimentos e alguns movimentos começam
a pulsar. Na ótica das artes plásticas encaro um momento ainda embrionário. Há
uma casa grande que foi reformada para abrigar exposições e projetos culturais,
porém vejo iniciativas acanhadas nessa questão. Existe uma forte inclinação dos
órgãos públicos na realização de eventos ligados a música e a literatura, que
por sinal nesse ano de 2014, Canoas comemorou a 30ª edição da feira do livro.
Em fim, apesar desses entraves
existem iniciativas e acredito que um mercado de arte possa surgir futuramente
à medida que artistas e órgãos públicos possam aprimorar seus conhecimentos,
suas pesquisas e sobre tudo desenvolver mostras ou até mesmo um salão na cidade
com processos de seleção e de fomento não somente aos artistas locais, mas que
isso possa se estender para artistas nacionais e futuramente internacionais.
Porto
Alegre possui um movimento de arte muito marcado por constantes mostras de
artistas brasileiros e internacionais promovidos por galerias, ateliês, centros
culturais, museus e instituições privadas. Também se realiza a Bienal do Mercosul
que atua nesse trânsito de processos artísticos.
No entanto, o mercado de compra e
venda de obras é pouco presente em meu caminho. Vez ou outra escuto que há um
leilão ou algo do gênero aqui e acolá, e bem na verdade não circulo muito por
esses lados. Sei que há colecionadores por aqui, mas também desconheço até que
ponto esses indivíduos aquecem o mercado local sobre tudo com artistas locais. O
que percebo é que apesar de existir todo um sistema físico que comporte
exposições, sinto falta de iniciativas que fomentem financeiramente a execução
de projetos na cidade. Geralmente são propostas que destinam um prêmio para
fulano ou beltrano através de uma seleção ou a ocupação de um espaço público
sem verba para que o artista possa arcar com a montagem do projeto. Não sei como
os recursos da cultura são distribuídos, apenas imagino como eles, digamos, se
perdem pelo caminho e acredito que muitos dos funcionários desses órgãos não
recebem devidamente pelo esforço e trabalho que ali desprendem.
No ano passado a Fundação Vera
Chaves Barcellos localizada em Viamão adquiriu obras de 28 artistas com recursos
obtidos pelo prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça
e recentemente foi uma das
selecionadas no projeto Rumos Itaú Cultural cujo projeto prevê ações de catalogação,
pesquisa e digitalização do acervo da fundação. Nesse contexto, me pergunto
quais são os motivos que impedem Museus e órgãos públicos de fazer ações
similares com o trabalho de artistas contemporâneos locais. Vejo muito a
citação “doação do artista” em placas de obras. Muitos dirão que a saúde e a
educação são prioridades e realmente concordo, mas também acredito que é
necessário mantermos a saúde da cultura, não só através de propostas
pedagógicas, mas também com ações que possam remunerar os artistas sejam esses
recursos concedidos por editais de seleção ou por outra forma, mas que com essa
verba projetos possam alcançar outros planos de desenvolvimento.
Em fim, esse é um olhar e um
desejo particular, onde tomo por base muitos dos projetos que tenho realizado
fora do estado em locais cuja expressividade cultural não é tão evidente como
em Porto Alegre, mas onde há a implantação de ações remuneradas. Às vezes me
parece que culturalmente a capital dos gaúchos vive apenas de ações midiáticas,
da troca de cumprimentos, doações e especulações que circulam mais pela
influência que pelo trabalho.
Você teve um projeto selecionado pelo
Itaú Cultural, qual o significado para sua carreira?
Essa seleção me deixou completamente
surpreso pelo fato de ser qualificado como um “jovem” artista, com um trabalho ainda
desconhecido pela crítica. Lembro quando apliquei em 2011 para o SPA das Artes
no Recife que minha dúvida era se inscrevia um projeto na categoria “intervenção
urbana” ou para o prêmio “Exposição MAMAM no Pátio”. Tomei corajem e inscrevi
para a segunda opção. Recebi um telefonema do Recife e semanas depois realizava
aquela que seria minha primeira exposição individual e terceira de minha
carreira até então. Em 2013 apliquei para uma residência artística na Ilha de
Réunion / França, pensando apenas em enviar um projeto para fora do país.
Acabei lendo o email sobre a minha seleção muitas vezes e mesmo assim pensava
que eles haviam se enganado (rs). Recentemente no Rural Scapes tive a mesma
surpresa e, após o contato telefônico da organização, escrevi um email a eles, perguntando
se aquilo que haviam me falado no telefone era mesmo verdade ou se havia
sonhado (rs). Com o Rumos tive as mesmas sensações. Li o resultado da seleção
muitas vezes, olhando com calma para ver se era mesmo o meu nome que estava
ali.
Vejo
essa seleção como uma grande possibilidade de expor meus processos. A construção
diária de múltiplos olhares. Um local moldado pelo equilíbrio entre gesto,
percepção e doação. Um espaço de construção e compartilhamento. Arquitetar
nossas “cidades invisíveis” como as de Calvino. Ora em terra, ora em abismos.
Soltas ao rumo dos ventos. São dessas experiências que planto o próximo
alicerce para fundar as bases em um novo lugar. Por isso acredito que o
significado desse prêmio do Rumos na minha carreira é reviver, expor, partilhar
e vivenciar outra etapa dentro desse processo. Dar sequência a mais um passo.
Erguer um ambiente sensitivo nesse universo que me proponho a construir em cada
um dos dias que estou vivo.
De que maneira você financia a
construção dos seus trabalhos? Quem são os compradores?
Vivi os anos 80 e 90, influenciado
pelo ideal do faça você mesmo, vindo do punk rock e da galera do skate. No
início financiava os meus projetos, trabalhando em outras áreas para ter uma
renda disponível e aplicá-la na compra de equipamentos e fazer viagens para
participar de concertos de improvisação. Obviamente que essas viagens não se
pagavam. No ambiente da música experimental e/ou independente as pessoas não
tem o hábito de pagar uma entrada para ver o show do “amigo” ou comprar um CD
feito praticamente de forma artesanal por um artista nacional ou até mesmo
latino americano. Porém, o cenário disso para artistas estrangeiros com essas
mesmas características vende.
Quando entrei no círculo das artes
visuais com projetos que envolviam sons e ruídos não pensava que poderia
financiar meus projetos por eles mesmos e, tão pouco, imaginava que poderia
sobreviver desse trabalho. Até o momento não vendi nenhum dos meus trabalhos a
um comprador porque nenhum me procurou (rs). Tenho aplicado meus projetos à
seleção de editais de mostras e residências artísticas tanto em instituições
públicas quanto privadas como forma de financiá-los e pagar as minhas contas. Sei
que o mercado da arte sonora no exterior é mais forte. Aqui no Brasil sinto que
existe uma dificuldade em relação a essas obras. E bem na verdade não tenho a
preocupação de produzir algo exclusivamente com a intenção e o foco na venda.
Também não vejo problema em quem o faz. Apenas o processo e a percepção de meu
trabalho seguem por outro caminho. Não sou vendedor e tão pouco produzo
influenciado por esse viés. Ainda tenho aquela essência do início de minha
carreira. A iniciativa de fazer por mim mesmo sem que me sinta dependente única
e exclusivamente de ações ou processos públicos culturais estagnados pela
burocracia ou pela relação com o partido que se encontra no poder.
O que é preciso para um artista ser
representado por uma galeria?
Não
faço a mínima ideia, talvez porque eu não seja representado por uma (rs). Arrisco
dizer que algumas galerias priorizam mais a influência, a crítica/mídia, os
contatos que propriamente aquilo que a obra representa e fala sobre o artista
que a produz. Mas, isso é tudo uma questão de afinidade entre as diretrizes da
galeria e o pensamento/caminho traçado pelo artista. Em fim, creio que há
espaço para todos sejam artistas conceituais ou comerciais. Cada um faz e
encontra o devido equilíbrio conforme aquilo que produz, anseia e pelo que se
posiciona. Quem sabe futuramente receba uma proposta e venha a trabalhar com
uma galeria de arte em que haja essa afinidade, essa reciprocidade com o meu
fazer artístico e possa ter outra resposta para essa pergunta (rs). De qualquer
maneira, o meu trabalho segue como sempre o fiz.
Quais são seus planos para o futuro?
Isso representa um pouco
daquilo que quero para o futuro.
“{...}
O propósito dessa música sem propósito se cumpriria caso as pessoas aprendessem
a escutar. Quando escutarem talvez descubram a preferência pelos sons da vida
cotidiana aos que escutam em um concerto musical. {...}”. John Cage, O Futuro
da Música: Crença. Fragmento do manifesto. Lido por John Cage em 1937.
“A
vida virtuosa é aquela inspirada pelo amor e guiada pelo conhecimento.” No que Acredito, Bertrand Russell.
A Mim Venderam-me a Cegueira Enquanto Roubaram-me a Esperança, 2014. Instalação sonora. Museu dos Direitos Humanos do MercoSul, Porto Alegre.
por+_07+-+Instala%C3%83%C2%A7%C3%83%C2%A3o+Sonora,+II+Mostra+SESI+de+Arte+Contempor%C3%83%C2%A2nea,+Curitiba,+PR,+Brasil,+2013.jpg){kind=spacer}
por+_02AAA+MA6++-+Instala%C3%83%C2%A7%C3%83%C2%A3o+Sonora+10+SPA+das+Artes+MAMAM+no+P%C3%83%C2%A1tio,+Recife,+PE,+Brasil,+2011.jpg){kind=spacer}
À Capela, 2014. Instalação sonora. Rural Scapes Laboratório em Residência. São José do Barreiro, SP.
Instalação sonora desenvolvida a partir da ocupação de uma antiga capela datada de 1955. A peça sonora é composta a partir do registro da limpeza que foi feita no local e de diversos fragmentos captados em igrejas e manifestações religiosas com duração de 10:45. A estrutura visual utilizada compreende um total de 700 pedras coletadas na margem do rio Ribeirão - Santana dispostas sobre 1400 páginas da bíblia. Em determinados períodos do dia, o vento sopra pela entrada principal da capela, fazendo com que o movimento das folhas de papel criem outra textura sonora que se incorpora a peça em reprodução.
Instalação sonora desenvolvida a partir da ocupação de uma antiga capela datada de 1955. A peça sonora é composta a partir do registro da limpeza que foi feita no local e de diversos fragmentos captados em igrejas e manifestações religiosas com duração de 10:45. A estrutura visual utilizada compreende um total de 700 pedras coletadas na margem do rio Ribeirão - Santana dispostas sobre 1400 páginas da bíblia. Em determinados períodos do dia, o vento sopra pela entrada principal da capela, fazendo com que o movimento das folhas de papel criem outra textura sonora que se incorpora a peça em reprodução.
Marcelo
Armani
What
sound do you see here? | SILVEIRAS-BANANAL
Mapeamento
e Pesquisa Sonora Geográfica
Registros.
Mapeamentos. Deslocamentos. Migrações... A diluição de paisagens, objetos e
tempos durante o período de residência artística no Rural Scapes em São José do
Barreiro, SP, Brasil produziram imagens, objetos, peças sonoras e vídeos a
partir de ações performáticas, intervenções e instalações sonoras. Práticas que
surgem de questionamentos internos. De relações e conexões que objetos e
materiais conferem sobre o corpo e o espírito.
Ao
longo desse processo, materiais, formas e construções arquitetônicas atuaram
como suporte para a criação de diálogos entre estruturas visuais e composições
sonoras. Experimentações/tentativas/erros/perspectivas. Procedimentos efêmeros presentes
e amalgamados na imersão. Colocar os equipamentos em “teste”. Estendê-los a
condições do ambiente – talvez humanas – Deixá-los com que forneçam os
resultados a partir das sensações por eles sofridas. Uma série de peças sonoras
compostas a partir dessa ação onde microfones de contato são arremessados no
curso das águas da cachoeira São Isídrio ou lançados no leito do rio Ribeirão
Santana ou simplesmente fixados entre o atrito dos bambus. Os registros são
puros ruídos desse contato entre distintos materiais. Universos praticamente imiscíveis
de uma qualidade sonora oculta. A manifestação de um processo quase intuitivo,
ligeiro, fugido da ação racional.
Os
ouvidos mergulham por superfícies rugosas. Sulcos plásticos abertos ao tempo. A
escuta através dos olhos potencializada pelo ato de frotar a placa de zinco com
um arco de violino e, descobrir então, aquelas harmonias estáticas nas
qualidades do objeto e do material. O deslocamento de ambientes sonoros. A
escala do som não é a mesma da física. As pedras possuem, em seu silêncio, o
peso de 700 delas repousadas uma a uma sobre 1.400 páginas de textos que
expressam os valores de uma doutrina tão pesada quanto à rocha.
Materiais
e objetos transubstanciados que estabelecem o diálogo entre o ambiente interno
e externo. Um desenvolvimento ainda em mutação, em reformulação. Vivenciado nos
sentidos e nas percepções alheias.
Marcelo
Armani (1978, Carlos Barbosa, RS) – Artista
Sonoro e Músico Improvisador Eletroacústico. Cursou Licenciatura em Música pelo
IPA e Engenharia Mecânica pela UFRGS. Possui materiais fonográficos editados
por selos do Brasil, Argentina, Chile, Venezuela e México. Atualmente é
representado pela gravadora Luscinia Discos, Granada, Espanha.
Prêmios
e Seleções
2014 16º
RUMOS Itaú Cultural, São Paulo, Brasil.
PROJETO FACHADA, Museu Murillo La Greca, Recife,
Brasil.
RURAL SCAPES, programa de residencia artística, São
José do Barreiro, Brasil.
WHERE. NOW. HERE, SAOUT Radio 5ª Bienal de Marrakesh,
Marrocos.
Mapping
Sound: Sonic Urbanity and Space in the Americas, Universidade de Cornell,
Ithaca, NY, EUA.
2013 II Mostra SESI de Arte Contemporânea, Curitiba,
Brasil.
Projeto ECOS, associação cultural OSSO, 3ª Trienal de
Arquitetura de Lisboa, Portugal.
SESI - Vila das Mercês, ocupação dos espaços SESI, São
Paulo, Brasil
BIENAL ARTS ACTUELS, programa de residencia artística,
Réunion, Oceano Índico, França. VII Prêmio Açorianos de Artes Plásticas, Categoria
Mídias Tecnológicas, Porto Alegre, Brasil.
II Arte Praia, Natal, Brasil.
2012 3º Projeto DJ Residente, MAMSP, São Paulo,
Brasil.
VI Jornada Brasileira de Cinema Silencioso, Cinemateca
Brasileira, São Paulo, Brasil.
2011 10º SPA das Artes prêmio categoria
exposição MAMAM no Pátio, Recife, Brasil.
Exposições
Individuais (Seleções)
2014 Projeto Fachada Museu Murillo La Greca,
Recife, Brasil.
SESI - Vila das Mercês, São Paulo, Brasil.
Centro Cultural BNB, Sousa, Paraíba, Brasil.
2013 II Mostra SESI de Arte Contemporânea,
Curitiba, Brasil.
II Prêmio IEAVi, Fotogaleria Virgílio Calegari,
CCMQ, Porto Alegre, Brasil.
2012
Centro Cultural BNB Cariri, Juazeiro do Norte, Brasil.
Porão do Paço Municipal, Porto Alegre, Brasil.
2011 10º
SPA das Artes MAMAM no Pátio, Recife, Brasil.
Exposições
Coletivas (Seleções)
2014 Centro
Cultural de La Memória Haroldo Conti, Buenos Aires, Argentina.
Programa de residência artística Rural Scapes, São José
do Barreiro, SP, Brasil.
Centro Cultural Franco Moçambicano, Maputo,
Moçambique.
Museu dos Direitos Humanos do Mercosul, Porto
Alegre, Brasil.
Projeto “Where. Now. Here”, SAOUT Radio, 5ª Bienal
de Marrakesh, Marrocos.
2013 Projeto
ECOS, associação cultural OSSO - 3ª trienal de Arquitetura de Lisboa, Portugal.
Projeto de Residência Artística, Bienal Arts
Actuels, Ilha de Reunión, Oceano Índico, França.
Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul,
Porto Alegre, Brasil.
II Arte Praia Casa da Ribeira, Natal, Brasil.
II Salão Xumucuis de Arte Digital, Museu do Estado
do Pará, Belém, Brasil.
I Festival Fricciones, Casa Viva, Santiago, Chile.
2012 Galerias
Quarta Parede, São Paulo, Brasil.
Centro Cultural BNB – Cariri, Juazeiro do Norte, CE,
Brasil.
3º Projeto DJ Residente, Museu de Arte Moderna de
São Paulo, SP, Brasil.
Porão do Paço Municipal, Porto Alegre, Brasil.
I Festival Brasileiro de Música de Rua, Caxias do
Sul, Brasil
2011 Comfluência
SP, Galeria Quarta Parede, São Paulo, Brasil.
Abertura da Casa M, Projeto
Pedagógico, 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil.
I Festival Internacional de Música Improvisada, Universidad del
Pacifico, Santiago, Chile.
2009 Como se Fosse Um Happening, intervenção
na obra de Ana Gallardo, convite do artista Júlio Lira, 7ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre,
Brasil.
Musicircus,
John Cage, com o grupo Tentacle Ensemble Collective, 7ª
Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil.
Acervos
Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul,
Porto Alegre, Brasil.
Discografia
SOLO
2014 M.ARMANI, AMÁLGAMA (CDr), Porto Alegre,
Brasil.
2013 ELEFANTE BRANCO, Verticalização de um Discurso Ancorado, MANSARDA
RECORDS, Netlabel, EP.
M.ARMANI, Construindo
Sombras, Luscinia Discos, Granada, Espanha, CD.
2010
M.ARMANI , Reentrada, Independente.
2009
M.ARMANI, Os Conceitos do seu Mundo Definem a sua Vida? Independente
GROUPOS
2012
Paulo Chagas e Marcelo Armani
Aproximadamente 9.363Km, 158MB, Porto Alegre, Brasil.
Dias | Rieger | Armani, Espólio,
Porto Alegre, Brasil.
Dias | Rieger | Armani, Sísmico,
Porto Alegre, Brasil.
Projeto Berros, Embarque, Porto
Alegre, Brasil.
2011
M.ARMANI & ojO, Baquelita,
Productora Mutante, Santiago, Chile.
2008
Darisbo e Armani, Sessão 15 de
julho, Mun DISCOS, Buenos Aires, Argentina,
Guilherme Darisbo e Marcelo
Armani, Sessão 13 de julho, AMP Records, Guadalajara, México.
COLETÂNEAS
2012 V.A.
Place/Sítio – Coletânea Antena Vol. 2 Antena Netlabel, Porto Alegre, Brasil,
V.A. ARFANTE – Música
para Instrumento de Sopro Solista, Mansarda Netlabel, Porto Alegre, Brasil
V.A. La Paz, Vol 04
(compilado) Biodata Records, Mérida, Venezuela.
2011
FOBIA (Festival Formula Básica de Imagen y Áudio) Productora Mutante e Jacobino
Discos, Santiago, Chile.
2009
V.A. +SOMA AMPLIFICA Vol 2, Revista +SOMA, São Paulo, Brasil.
